EN ESCENA... Rostros

Gonzalo de Castro

2006-06-24T10:50:00.000+02:00

A falta de tres asignaturas, se quedó sin licenciarse en Derecho. No tuvo ni que colgar la toga para decantarse por una de las profesiones más antiguas del mundo. Después de un intenso máster en televisión, debe reconquistar su lugar en los escenarios.

Tablas no le faltan porque él ha hecho de todo por su pasión por el teatro y ya en sus inicios fue técnico en el desaparecido Teatro Maravillas (no olvidemos que el actual es de nueva planta) hasta que tuvo la oportunidad de dar muestras de sus dotes para la interpretación.

No estuvo en el reparto inicial de la serie 7 vidas, pero pocos saben que estaba allí, detrás de las cámaras, como ayudante de dirección. Entró en el incipiente fenómeno televisivo con la intención de convertirse en uno de los personajes y la prueba de fuego le llegó cuando en el capítulo decimoquinto le dijeron: "toma, apréndete estas frases". Al final acabó como uno de los supervivientes de la serie: 15 temporadas, 7 años en total, se mantuvo en ese formato a medio camino entre la comedia de situación y el teatro en directo, por lo atípico de su grabación.

Unos cuantos años antes, en 1992, el catalán Lluís Pasqual le dirigió en Tirano Banderas y poco después repitieron Haciendo Lorca. A estas obras siguieron otras como Calígula, en una nueva versión de José Tamayo, y Testamento, de Gerardo Vera, además de otras piezas bajo la atenta mirada de Lluís Homar y Sergi Belbel. Y compaginaba sus trabajos como actor con otras funciones como la de regidor, resultando curiosos que ahora, una década después, regrese al María Guerrero de manos de Bertolt Brecht, donde fue ayudante de dirección de Terror y miseria del Tercer Reich.

El madrileño aparcó el teatro por la televisión, pero siempre que había un proyecto interesante, volvía. Eso le ocurrió cuando se le presentó la oportunidad de protagonizar Como en las mejores familias junto a Nathalie Poza, Julieta Serrano, Blanca Portillo, Javier Cámara y Pau Durá. Al igual que los tres últimos, Gonzalo asumía también la faceta de productor con este montaje pero siguió siendo un actor por cuenta ajena: Juan Mayorga escribió un nuevo texto para la compañía Animalario, Últimas palabras de Copito de Nieve y él, junto a Pedro Casablanc y Tomás Pozzi, se subió de nuevo al escenario.

Entretanto este madrileño de 43 años logró su primer gran papel en cine, aunque sólo a medias. De animales iba la cosa ya que consistía en poner voz a Melman, la alocada jirafa de Madagascar. Quienes le conocen aseguran que tiene una capacidad innata para expresar sus emociones y comunicarlas al auditorio, también a través de su palabra.

Convertido en aguador, es el primero de una ciudad oriental que da la bienvenida a tres de los más importantes dioses en la revisión que el Centro Dramático Nacional hace de una intensa obra de Brecht. A sus 43 años está empeñado en buscar a La buena persona de Sezuan y quién sabe si pronto dará rienda suelta a otra de sus aficiones, la gastronomía, abriendo un restaurante con mucha esencia teatral.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

José Luis Cuerda

2006-06-24T10:45:00.000+02:00

Había pasado tiempo, siete años, desde que miró por última vez a través del visor de una cámara, pero en sus manos cayó la novela La educación de un hada, de Didier Van Cauwelaert. José Luis Cuerda no se lo pensó dos veces a la hora de dotar de protagonismo a las pasiones, que son la causa de sus mayores placeres y dolores.

El argumento entroncaba con su cine de emociones, un tanto visceral, y sólo había que buscar rostros para esa historia que versaba sobre la necesidad innata en el ser humano de estar con sus seres queridos. El director de cintas como Mala racha, Amanece que no es poco y La marrana se sumergía una vez más en las profundidades de los sentimientos.

Pero intentando huir de la extrema sensiblería y el punto almibarado, Cuerda vuelve a dejar claro que sigue luchando por hacer las cosas como cree que hay que hacerlas. Al escritor de historias -en activo desde los 12 años- le sedujo la posibilidad de hacer suyo un relato escrito por otro, contarlo a su manera y además, aprehenderlo por medio de un encargo a instancias de Gerardo Herrero en su faceta como productor.

Nacido en Albacete hace 59 años, comenzó a estudiar Derecho, pero no tardaría mucho en alejarse de las leyes en cuanto se sintió atraído por el mundo de la imagen: de la realización de reportajes y documentales en Televisión Española (desde 1969) pasó a ocupar un puesto destacable en el área de programas culturales, donde siguió dando rienda suelta a su capacidad creativa con la escritura de guiones para espacios divulgativos y también dramáticos.

A comienzos de los ochenta, en pleno periodo de efervescencia cultural, dirigió su primer largometraje, Pares y nones, que le enmarcó en un naciente género de comedia progre bautizada con el gentilicio de madrileña, género al que también adscriben a Fernando Colomo. Debe ser que Cuerda no gusta de encasillamientos, porque sólo tardó un lustro en adentrarse en el humor surrealista lleno, eso sí, de referencias literarias. Corría el año 1987 cuando El bosque animado llegó a las pantallas y barrió en la segunda entrega de Premios Goya, llevándose cinco galardones, entre ellos los de mejor actor, Alfredo Landa, y mejor guión, por la adaptación de Rafael Azcona a partir de la novela homónima de Wenceslao Fernández Flores.

Tras el éxito que supuso en 1999 su anterior trabajo como cineasta, La lengua de las mariposas, quedó exhausto. Después se centró en la producción de Abre los ojos y Los otros, hasta que con dignidad y sin cursilería se ha vuelto a poner detrás de la cámara, echando mano de la fantasía para resolver ciertos problemas, porque la vida es muy dura. En su afán por no pasarlo mal, ni él ni su público, Cuerda confío en este relato protagonizado por la suiza Irène Jacob y el argentino Ricardo Darín.

Mucho se está hablando del debut de Bebe a las órdenes de Julio Medem en Caótica Ana, pero pocos conocían el hecho de que la cantante, mitad valenciana, mitad extremeña, se hubiese puesto en manos en Cuerda y que ya apareciese en Al sur de Granada. Aún así de puntillosos, hay que destacar la destreza del cineasta a la hora de encontrar nuevos valores: el mejor ejemplo lo personifica Alejandro Amenábar y su Tesis, tarjeta de presentación en formato largo. El de los niños en plató es tema aparte, ya que casi siempre hay historia que requiera un actor de menor edad. Además de La lengua... y la fábula recién estrenada, con el niño Víctor Valdivia en uno de los papeles principales, Cuerda presenta un abanico de interpretaciones infantiles en sus películas, ya que considera que son lo mejor que hay y verles actuar es similar a ver crecer una flor.

Este tierno cineasta que se declara pesimista ante la vida (en palabras de Truffaut, "un optimista bien informado") nos invita a que descubramos los secretos del bosque, paradigma de un microcosmos e imagen eficaz de lo que es el mundo, con sus diferentes alimañas y también sus dulces moradores.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Ana Fernández

2006-06-19T11:18:00.000+02:00

Empezó en esto del cine a los 33 años. Hasta entonces llevaba unos años como chica del tiempo en Canal Sur, alguno que otro como locutora de radio "todoterreno" y muchas horas de carretera montando obras de teatro por pueblos.

En el recuerdo de todos están sus trabajos con Pedro Almodóvar (Hable con ella) y José Luis Garci (You’re the one, Historia de un beso, Tiovivo c.1950) y lejos en la distancia, pero siempre presente al hablar de ella, está Solas, la película de Benito Zambrano que la lanzó a la fama en 1998.

Tiene una cuenta pendiente con el teatro pero está muy centrada en el cine. A dos películas por año –el pasado hizo doblete con Morir en San Hilario (Laura Mañá) y Pasos (Federico Luppi)- ahora presenta el estreno casi simultáneo de Amor en defensa propia y Sin ti. Con ellas comienza el goteo de películas protagonizadas por una de las actrices más solventes del panorama nacional. Lo próximo ya está también rodado: Vidas pequeñas, de Enrique Urbizu, Lola, de Miguel Hermoso y El corazón de la tierra, de Antonio Cuadri.

Daniel Galindo: No sales de un rodaje cuando estrenas el fruto del anterior: acabas de estar a las órdenes de Miguel Hermoso Lola, dando vida a Rosario, la madre de Lola Flores.
Ana Fernández: He sacado todo mi acento andaluz para dar vida a esta matrona que me ha tenido fascinada desde el guión: es valiente, me recuerda a las mujeres de mi familia y es mucho esta mujer. Soy la madre de la artista, papel interpretado por Gala Évora, y como miembro del equipo debo decir que a todos nos ha supuesto un redescubrimiento de la figura de la Faraona, pero intentando no caer en imitaciones. Creo que va a ser uno de los estrenos del próximo año.

DG: Y de un mito como Lola Flores a un personaje también de carne y hueso, pero más terrenal, el de Amor en defensa propia, un rol en apariencia sencillo que te ha dado más de un quebradero de cabeza...
AF: Si, porque ella pertenece a ese tipo de mujeres que no caen muy bien que digamos. Me centré en ella como pocas veces había hecho en otros trabajos precisamente por la antipatía que me provocaba, por engañarse a si misma, por no haber pisado la tierra en 40 años, por mirarse al espejo y no gustarse. Tenía tantas aristas por pulir...

DG: El debut en el largo de Rafa Russo coincidirá en cartel con Sin ti, cinta del catalán Ramón Masllorens, en la que interpretas a una madre de familia que pierde la vista.
AF: Fue un trabajo muy duro que me provocó una especie de presbicia acentuada por no enfocar al mirar. El proceso de preparación del papel resultó muy complejo, hablando con gente de la ONCE e intentando experimentar de qué manera vive un ciego, no de nacimiento, sino por accidente. Pero de verdad, lo de la ceguera, a pesar de su gravedad, se queda en mera anécdota, ya que a raíz de quedarse sin vista, este personaje aprende a decir no a ciertas situaciones, incluso en plena lucha por sobrevivir y superar las trabas que se pone a si misma.

DG: Muy satisfecha del personaje, ¿no?
AF: Sí, sobre todo de su elaboración, ya que he ido descubriendo muchas cosas de Ana, de mí misma, que no había visto a pesar de tantos personajes y tantos años conviviendo conmigo, y es curioso. Siempre que te metes en la piel de otra persona acabas conociendo algo personal, pero gracias a Masllorens y a la ceguera, ocasional, claro, saqué cosas de dentro, como el instinto de superación, que hasta entonces había pasado inadvertido.

DG: Un título más a una filmografía variada: te hemos visto en registros muy diferentes pero siempre queda algo por hacer...
AF: ¿Una comedia por ejemplo? Si, me encantaría y fíjate, pido más si me dejas: hacerla con Carmen Maura, con la que me reí muchísimo haciendo un drama de suspense como La promesa, así que en una comedia debe ser apoteósico. Y que nos dirija Pedro Almodóvar... ¿no sería fantástico?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Eduard Fernández

2006-06-19T11:05:00.000+02:00

Hay personajes con los que todo actor sueña con interpretar. El de Hamlet es uno de ellos. Consciente de su madurez en el medio y de que la idea de seguridad no es buena compañera de viaje, Eduard Fernández afronta uno de sus proyectos más ambiciosos a las órdenes del amigo que a su vez es gran director de escena.

Él está inserto en el experimento a gran escala que monta Lluís Pasqual con actores de toda España. Doble ración de Shakespeare: por un lado la tragedia del príncipe de Dinamarca, que no es otro que él; por otro, La tempestad, donde da vida a un capitán en medio del desastre.

Embelesado por el cine y haciendo lo propio con nosotros desde la pantalla grande, el catalán de 42 años llevaba muchos sin pisar un escenario. Sólo lo hacía cuando debía presentar una película o recoger algún premio como los Goya al mejor protagonista por Fausto 5.0 –incursión fílmica de La Fura dels Baus- y al mejor actor de reparto por En la ciudad (2002), labor también reconocida por la Unión de Actores.

La ascensión de este chico con cara de persona corriente, bajito y aspecto de chuleta fue progresiva desde que Mariano Barroso confió en él uno de los personajes de Los lobos de Washington. Hasta entonces, finales del siglo XX, mucho teatro y televisión en Cataluña con alguna participación menor en largometrajes que han pasado inadvertidos a las órdenes de Rosa Vergés en Souvenir y Juan Manuel Chumilla en Zapping.

Desempeñó registros muy diferentes en El portero y La voz de su amo, hasta que su apellido, muy común, se asoció a un Eduard que hacía el tándem más conocido. Sorprendía por su naturalidad a la hora de encarar hasta los papeles más desagradables y peliagudos pero también los cómicos (Cosas que hacen que la vida valga la pena) y los que le permitían conservar el halo de circunstancia que le envuelve (Smoking room).Marido celoso, y con razón, fue en la adaptación que Bigas Luna hizo de Son de mar, de Manuel Vicent, formando triángulo con Jordi Mollá y Leonor Watling.

Fernando Trueba (El embrujo de Shanghai), Gerardo Herrero (El misterio Galíndez), Montxo Armendáriz (Obaba) y Marcelo Piñeyro (El método) son algunos de los que le han dirigido en cine, aunque son Cesc Gay (En la ciudad) y el citado Barroso (Hormigas en la boca) quienes saben sacarle más jugo. En septiembre veremos qué tal le ha ido con Agustín Díaz Yánes en Alatriste, donde ha dado vida a Sebastián Copons, el compañero de armas del capitán castellano salido del imaginario de Arturo Pérez-Reverte.

Tras el intenso rodaje ha dado rienda suelta por media España a su pasión más temprana en el que está siendo su tercer idilio con Lluís Pasqual, después de Esperando a Godot y Roberto Zucco. El director es otro de los que saben cuidarle y él no hace ascos a tanta generosidad al confesar que sólo con él podía atreverse con el primer espada de Shakespeare.

Juntos han demostrado que se trataba de la mejor elección: el actor presume de que el rol le va como anillo al dedo, a sabiendas de que el director le ha dejado deshacerse de guiños preconcebidos, dando vida a un equilibrado compendio entre la reflexión –que es duda- y lo cómico –por su comportamiento histriónico-, un príncipe danés con aire extrovertido y mucha, mucha ironía, la misma que él le echa a la vida.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Michael Winterbottom

2006-05-28T10:48:00.000+02:00

Heterodoxo en su filmografía y siempre con el ánimo de sorprender alzando la voz, este cineasta se ha convertido en uno de los iconos de ese sector del cine europeo que aúna conciencia social y maestría formal.

El universitario de Oxford se apartó pronto del campo de la filología para dedicarse al cine aunque pasando primero por las salas de montaje de la Thames TV, para la que dirigió documentales sobre el cineasta sueco Ingmar Bergman y un par de telefilmes dirigidos a una audiencia juvenil.

Hace poco más de una década fundó junto al productor Andrew Eaton Revolution films que sólo un año después, en 1995, dio como frutos sus primeros largometrajes: Besos de mariposa –que narra el amor de dos lesbianas- y Go now –sobre el drama de la esclerosis múltiple-. El panorama cinematográfico era vasto por aquel entonces y muchas eran las ganas de hacer un cine diferente, prueba de ello fue el impacto que supuso en Cannes Jude, con Kate Winslet y Rachel Griffiths.

Iconoclasta en su forma de hacer cine, su estilo se va haciendo cada vez más personal e identificable. Su progresión le fue llevando a cierto desencantamiento ante el mundo que, después de Wonderland, Welcome to Sarajevo, El perdón y 24 hours party people, se volvió más sosegado, plasmado de cierta melancolía. Dejó prueba de ello en Código 46, una historia sobre un futuro próximo que nos llega a través de los ojos de los personajes a los que dan vida Tim Robbins y Samantha Morton. Y los experimentos siguieron, esta vez bajo el nombre de 9 songs, batiburrillo de sexo y música que no deja indiferente.

En la misma línea que En este mundo –sobre el viaje de dos afganos con Londres como meta- pero por otros derroteros discurre su Camino a Guantánamo, una cinta que ha cosechado buenas críticas desde su estreno en la pasada Berlinale. Su recuerdo del paso por el festival debe guardarlo bajo llave ya que periodistas y público le ovacionaron durante varios minutos por su última incursión en el cine de compromiso ideológico. El Oso de Plata a la Mejor Dirección fue un premio a repartir entre los dos directores de Camino a Guantánamo, Winterbottom y Mat Whitecross, los narradores de esta historia real protagonizada por cuatro jóvenes británicos que fueron a una boda a Pakistán y acabaron retenidos por Estados Unidos cerca de dos años.

Para el cineasta británico de 45 años, su película no es un trabajo de denuncia, sino una obra que va más allá, pretendiendo que el público salga de las salas criticando la situación de lugares como esa cárcel improvisada y pidiendo responsabilidades a quienes practican actividades criminales. Winterbottom vive con la idea de que el cine sirve para que el pueblo no olvide y que el espectador pueda convertirse en protagonista de la historia que se cuenta.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

José Sancho

2006-05-27T09:21:00.000+02:00

...Y como el emperador que, consciente de su muerte hace balance de su vida a través de un monólogo ilustrado, el hombre de escena recapitula sus hitos a sabiendas de que aún le queda mucha guerra por dar.

No se acompleja ante ningún trabajo y eso le ha llevado a protagonizar tanto escándalos amorosos, pan para la prensa rosa, como películas a las órdenes de Vicente Aranda (Libertarias), Carlos Saura (Ay, Carmela!) y Pedro Almodóvar (Carne trémula) quien le puso en bandeja un papel de reparto que le valió su único premio Goya hasta el momento. Pero el polémico José Sancho también ha sido el protagonista de medio centenar de obras, y el actor que quería y se atrevía con el papel del emperador ilustrado que creía más en la fuerza de las palabras que en el puño cerrado del mandamás.

Con 18 años hizo su maleta y se trasladó a Madrid con la idea de vivir del teatro. No tardaría en entrar en el reparto de Los árboles mueren de pie. Desde aquel año, 1963, fue sumando obras como Enrique IV y El alcalde de Zalamea hasta que llegó el primer parón que le alejó de las tablas: Curro Jiménez, una serie a la que el valenciano de 62 años le guarda mucho cariño ya que ese personaje, el del Estudiante, le dio a conocer al gran público a través de la pequeña pantalla, la misma que ahora le impulsa gracia a su trabajo en Cuéntame.

Memorias de Adriano le ha supuesto regresar a un mismo texto con Maurizio Scaparro, el mismo director con el que representó la obra hace 8 años. Él, que ha sido el primer actor español en meterse en la piel de un emperador hispano, hizo que el público se levantase en los festivales de Mérida y el Grec de Barcelona. El tiempo ha pasado, pero gracias a su poderosa voz y su temple ha repetido la hazaña, esta vez en el madrileño Teatro Albéniz.

Reconoce que ahora entiende mejor el texto y es esa comprensión la que le permite trasmitir el mensaje al público de manera certera. El de Manises tiene una vida pasada a la que puede echar mano cuando quiera y en la pieza, con muchas aristas, encuentra otros matices diferentes a los que había visto en el momento de su primera representación, en 1998. Su vuelta a Adriano le ha apartado unos meses de El gran regreso, una obra en la que da vida a un padre que ve a su hijo (Miguel Hermoso) tras un prolongado periodo de distancia. Interrumpió la gira porque quería estrenar en Madrid la adaptación de la obra de Marguerite Yourcenar.Un reto más para él, que ha hecho circo, cabaret y mucho teatro de carretera.

No le van mal las cosas, pero él ve este tiempo de buenas cosechas como un paréntesis que hay que saborear. Sabe lo que es pelearse por mantener una carrera de fondo, por ejemplo en el cine, donde atesora títulos como Todos a la cárcel, Flores de otro mundo, Sexo por compasión y Los lobos de Washington.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Tom Hanks

2006-05-19T18:01:00.000+02:00

Para ser el actor de los 20 millones de euros por película hay que reunir, como mínimo, dos requisitos: llamarse Tom y haber trabajado con Steven Spielberg.

Lo que ocurre es que ese honroso título se lo disputan Cruise y Hanks, dos avispados intérpretes que pertenecen a la misma generación -año arriba, año abajo- y ya empiezan a despuntar en nuevas facetas en el mundo del cine, como la de productor, de cara al aciago día en que el público no les quiera ver en pantalla.

Por ahora no se ha dado el caso ni con el chico de la sonrisa perfecta –arreglos incluidos-, ni con el californiano que a punto está de cumplir 50 años. Como experto en simbología y con el nombre de Robert Langdon acaba de estrenar un auténtico destroza-taquillas: El código Da Vinci.

En un cuarto de siglo "el hombre con un zapato&quo; rojo pasó una larga temporada como náufrago en una isla desierta acompañado de un amigo imaginario y también fue pasajero en tránsito en un aeropuerto, no sin antes acercarse al espacio exterior a bordo del Apolo XIII y contar la historia reciente de Estados Unidos a su manera. Ha pasado de la comedia al drama puro y duro, donde encontró el filón a explotar, convenciendo a crítica, público y compañeros.

Desde 1980, año en que rodó una inadvertida Sabe que estás sola, este californiano de aire despistado no ha dejado de protagonizar películas. En España le conocimos por su peculiar faceta de cuidador de sirenas o mejor dicho, sirena, con el rostro de Daryl Hannah. Un, dos, tres... Splash! fue su primera colaboración con Ron Howard (Una mente maravillosa), el director que se ha atrevido con la peliaguda y controvertida adaptación del mayor éxito de ventas literario de comienzos de milenio. Poco antes, el actor que luego ganaría dos Oscar por Philadelphia y Forrest Gump, protagonizó otra curiosa versión fílmica de un cómic mítico entre los jóvenes de los 80: Dragones y Mazmorras.

Dicen que el último es el mejor, al menos así lo cree Hanks, que ve en el protagonista de El código Da Vinci el papel que siempre había querido interpretar durante toda su carrera. La novela apareció en 2003, lo que quiere decir que el intérprete de títulos como La milla verde, Salvar al soldado Ryan y La hoguera de las vanidades no considera importante su trabajo al servicio de Spielberg en La Terminal y Joel y Ethan Coen en The Ladykillers.

Precisiones verbales a un lado, misterio, fantasía y polémica religiosa son los ingredientes del filme que tras pasar por Cannes llega a los cines de todo el mundo. El tándem Howard-Hanks se enfrentó al proyecto con la idea de ser fiel y respetuoso a la visión que Dan Brown plasmó en su libro. Y más le valía encarar el proyecto con firmeza ya que sonaron nombres como George Clooney y Rusell Crowe para el mismo personaje, aunque al final el director se decantó por él debido a su lado antipático y huraño, menos encantador que el de los otros dos aspirantes. Todo un halago para un actor que hace escuela, al menos en casa, y es que su hijo Colin Hanks (Orange County, 11:14, destino fatal) sigue sus pasos, lento pero seguro.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Tom Cruise

2006-05-05T09:57:00.000+02:00

Pocos personajes de Hollywood causan tanta admiración y animadversión a partes iguales como él, compañero de generación de Sean Penn, Matthew Broderick, Timothy Hutton y Matt Dillon.

El desembarco de nuevos guapos en las carteleras no ha hecho mella alguna en su popularidad y a sus 46 años sigue brincando en los rodajes como Ethan Hunt, uno de los espías más famosos del mundo, con permiso de James Bond, gracias a la tercera entrega de la saga Misión imposible.

Thomas Cruise Mapother IV, nacido el 3 de julio de 1962 no muy lejos de Nueva York, se convirtió en el ídolo de jovencitas gracias a películas como Risky Business y Top Gun, al tiempo que supo engatusar a algunos de los directores más prestigiosos de norteamérica como Oliver Stone y Martín Scorsese, compartiendo protagonismo con grandes de la talla de Paul Newman (El color del dinero) y Jack Nicholson (Algunos hombres buenos).

Tras 25 años de carrera aún falta en su filmografía el trabajo que le consagré entre los críticos y sus compañeros de profesión. El rey de las taquillas cosecha éxitos insuperables pero añora el papel que le confirme como buen actor –si es que lo es-. Muy cerca estuvo de conseguirlo cuando cayó en sus manos el proyecto póstumo de Stanley Kubrick, Eyes wide shut, peor lo cierto es que Cruise no convenció. Acaso Magnolia le llevó por otros derroteros, los del cine de autor, pero pronto se salió de la vereda, al menos como intérprete.

Tampoco es justo que nos cebemos con el chico de sonrisa perenne –por la que se embolsa más de 20 millones de euros por película- ya que, buceando en su carrera, encontramos algunas piezas como Nacido el 4 de julio y Rain man. Para él, que está en la profesión por el arte y no por el dinero, un buen guión es la base de un trabajo bien hecho. También una buena dirección: en Steven Spileberg (Minority Report) y Cameron Crowe (Jerry Maguire) confía de manera absoluta; también en J.J. Abrams (creador de Felicity, Alías y Perdidos) al que pidió que dejará su huella personal en M:i:III, al igual que en las anteriores hicieron Brian de Palma y John Woo.

Quienes le conocen bien aseguran que pronto dará el salto a la realización aunque por ahora va paso a paso, descubriendo facetas, la última, la de productor. La primera entrega de Misión imposible, hace ya una década, fue su primer encargo y el más reciente es Pregúntale al viento, adaptación de la novela de John Fante con Colin Farell y Salma Hayek como protagonistas. En medio del paréntesis temporal hay de todo: desde sus últimos protagonistas (Vanilla Sky, El último samurai, La guerra de los mundos) hasta títulos más modestos que le valieron un reconocimiento por su apoyo al cine independiente en los Independent Spirit Awards. Lo dicho, detractores y amantes a partes iguales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Carlos Iglesias

2006-05-05T09:41:00.000+02:00

Nació en el Madrid de finales de los cincuenta y pronto se marchó con sus padres a Suiza. Un viaje de ida y vuelta que le arrojó de nuevo a la realidad de un país que intentaba despegar.

Ese es el germen de su primera película, la historia a la que daba vueltas cuando Manuel Gutiérrez Aragón le regaló el personaje de Sancho Panza en la última adaptación de la obra cervantina, El caballero Don Quijote. Hasta entonces Iglesias había acumulado intervenciones contadas en cine y muchas experiencias teatrales y televisivas, entre las que no podemos olvidar la serie Manos a la obra que durante cuatro años le colgó el sambenito del "chapucillas" Benito.

El actor se convierte en completo cineasta gracias a una acertada visión de la emigración, un fenómeno vivido en sus propias carnes. Quizás por ello su debut en la dirección, Un Franco, 14 pesetas, se ha convertido en una de las más emotivas y sinceras cintas del cine español de los últimos años. Aunque no descarta ponerse al frente de otros proyectos como director, y reconoce que llegó a esta etapa sin pretensiones iniciales: él sólo quería narrar su historia, la de sus padres.

Daniel Galindo: Que frágil es nuestra memoria histórica, siendo además colectiva. Seguro que se le pasó por la mente a la hora de mascullar el proyecto.
Carlos Iglesias: Y tanto. Parece mentira que en tan sólo 40 años hayamos olvidado que muchos españoles tuvieron que salir de un país que no levantaba cabeza para llevarse a la boca un trozo de comida. Convertidos en país de acogida, la memoria de grupo parece que se estanca y sólo se mantiene activa en las familias, entre ellas la mía, que fueron protagonistas de aquel éxodo. Así se me ocurrió plasmar mis recuerdos en un guión y, para que no quedase un tanto desvirtuado, inicié un proceso de búsqueda en los retazos de vida de muchos otros españoles e italianos en países como Suiza y Alemania.

DG: ¿Un ejercicio de reivindicación?
CI: Más o menos. Este tema no se ha tratado con profundidad en nuestro cine pero no quiero ponerme medallas ya que sobre todo consistía en saldar las cuentas conmigo mismo, por todos los reproches que les hice a mis padres al regresar a Madrid con 13 años, dejando atrás a mis amigos y una vida modelo. Homenaje a mis progenitores, por su puesto, y luego sentía la necesidad imperiosa de narrar cómo nos trataron los suizos que, a pesar de que no nos regalaron nada, fueron honestos con nosotros. Mucha gente me pregunta por el mensaje y creo que está claro: hemos sido emigrantes y el trato que recibimos fue mejor que el que ofrecemos ahora a los inmigrantes.

DG: El rodaje le llevó de vuelta al pueblo suizo donde pasó buena parte de su niñez...
CI: Estuvimos algo más de dos semanas en una localidad cercana a la que me acogió en mi época de gamberrillo. Incluso pudimos rodar en la casa dónde viví. Lo curioso es que a más de 2.000 kilómetros de España he encontrado de nuevo un trozo de hogar en el que todavía viven recuerdos y emociones de aquellos años.

DG: ¿Echamos la vista atrás y miramos a Málaga? Premio del Público y los galardones a la mejor fotografía y al mejor guionista novel...
CI: Se me abrieron las puertas de par en par. Sin duda, el reconocimiento de los espectadores malagueños es el que me causó más orgullo. Me hizo pensar en muchas cosas y fíjate, todavía recuerdo cuando Manuel Gutiérrez Aragón me dijo que yo debía dirigir la historia que durante 3 años había ido perfilando, porque sólo yo podía hacer que aquellos hechos no se olvidasen. Ya está en los cines, parece mentira. Ahora mis hijos encuentran una respuesta tangible a la pregunta que hicieron en estos cinco últimos años: ¿a qué te dedicas, papá? A hacer una película.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Silvia Abascal

2006-05-05T00:31:00.000+02:00

Madrileña de 28 años, lleva media vida dando vida a personajes en televisión y cine, una carrera que tiene continuidad porque da más importancia al hecho de evolucionar que al de mantenerse.

Ella soñaba con dedicarse a la interpretación y ve que ese sueño se está realizado, pero es consciente de que todo camino en cualquier momento puede torcerse. De todo eso nos habló minutos antes de subirse a las tablas de la Sala del Antiguo Café del Teatro Español con su tercer montaje, Siglo XX... qué estás en los cielos.

Daniel Galindo: Llevas varias semanas atrapada por una obra especial y arriesgada, con factores sorprendentes que condicionan la forma teatral...¿cómo estás viviendo la puesta en escena?
Silvia Abascal: Estoy dentro de un proceso muy rico por muchos motivos: por contraste de personajes, ya que vengo de la ingenuidad y la inocencia de La dama boba y aquí paso a ser una yonkie que vive la movida de los 80, un personaje oscuro, cerrado, con muchas capas; además repito con Roberto Enríquez, uno de los compañeros a los que más admiro y quiero; y conocer la batuta de Blanca Portillo ha sido el mejor regalo. Con esas experiencias, todas juntas, me siento pletórica.

DG: Conocemos a Blanca en su faceta de actriz pero como directora, además de que este sea su quinto montaje, lleva muchos años tocando todos los palos del teatro desde su productora, Avance PT.
SA: Para mi ha sido todo un descubrimiento. La admiraba mucho como actriz pero no nos conocíamos. Me encanta como mujer, como profesional... Creo que es muy buena guía y sabe exprimir a los actores, que está llena de inteligencia, respeto y tolerancia, un buen catálogo de virtudes al trabajar con un material tan frágil como es el de las emociones. Ha sabido jugar con este texto de David Desola, muy complicado, porque la función se desarrolla en un limbo inquietante, la antesala de un futuro, con dos muertos de diferentes periodos históricos a merced de un dios caprichoso e infantil que impone pruebas para volver a la vida, para reencarnarnos.

DG: Un proyecto muy especial, muy rico, que te permite trabajar aspectos diversos y, sin desvelar secretos para preservar el factor sorpresa, bajo unas condiciones específicas y muy curiosas...
SA: Es un ejercicio de concentración diaria que requiere una elevada capacidad de comunicación debido a que las imágenes están puestas en las voces, llenas de colores y matices. Las palabras deben ser cuadros sonoros orgánicos, vivos, sinceros, y supone un esfuerzo el recrear un viaje sensorial en el cual el espectador tiene dos opciones: conectar y volar con nosotros o tomar un rumbo diferente. De cara a las reacciones del público la obra no permite término medio: encanta y apasiona o por el contrario te descoloca.

DG: Echando un vistazo a tu trayectoria teatral podemos distinguir tres etapas: los primeros pasos de manos de La Gaviota; un trabajo más maduro, un duelo interpretativo, junto a Luisa Martín en Historia de una vida y finalmente, Siglo XX...
SA: Tienes razón, cada proyecto supone un nuevo aprendizaje. Me estrené con Amelia Ochandiano, de quien aprendí mucho; Historia de una vida ha tenido frutos muy positivos de cara a la valoración profesional y personal, ya que el personaje tenía una clara línea de evolución. Yo siempre busco contrastes entre los trabajos, no quiero acomodarme en ningún espacio. No me rijo por hacer sólo cine o televisión o teatro.

DG: En todo caso, vincular medios: el verso en el cine, la radio en el teatro y el teatro en la televisión.
SA: Son buenas combinaciones pero de verdad, es lo que me interesa: no ir a lo fácil. Además de demostrar que un actor debe prepararse para todo y no relajarse. Ya que esta profesión te permite saborear tantas cosas hay que aprovecharlo: ir del monólogo a una coreografía, jugar con los acentos... Si sientes curiosidad por la vida, ésta es una carrera que te permite bucear en muchos abismos.

DG: Y todo despacio pero con paso firme, buscando el reto en cada propuesta...
SA: Tengo una carrera con continuidad, un privilegio. Yo prefiero dar más importancia al hecho de evolucionar que al de mantenerme y creo que cuanto más meto la cabeza, más respeto siento por la profesión, lo que implica, que no es un título que te dan y se convierte en algo vitalicio.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Aitana Sánchez-Gijón

2006-05-05T00:26:00.000+02:00

Nacida en Roma hace 38 años, la actriz se ha convertido en una de las intérpretes más codiciadas del panorama nacional. Vuelve a los escenarios con Cruel y tierno, del Centro Dramático Nacional. Dedicada en los últimos años casi por completo al cine, como actriz y presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, regresa a las tablas en un esperado reencuentro (si exceptuamos sus medidas apariciones en Las criadas, de Jean Genet, y la ópera-oratorio Juana de Arco en la hoguera.

Cruel y tierno toma como punto de partida Las traquinias de Sófocles y traslada su argumento al mundo contemporáneo, a una guerra de ahora mismo. Eso permite poner de relieve cómo afrontamos los problemas del mundo y el horror desde una posición acomodada al tiempo que trata el amor como arma de destrucción. Amor y odio encarnado por una mujer que ni es víctima ni verdugo por completo, en una mezcla de lo cruel y lo tierno, que da título al montaje producido por el Centro Dramático Nacional.

Daniel Galindo: Acaba de bajarse del escenario compartido junto a Mario Vargas Llosa, con quien descubrió La verdad de las mentiras, y regresa al teatro más convencional con una obra nada tópica. ¿Qué le movió a dar este paso?
Aitana Sánchez-Gijón: Algo muy sencillo en apariencia ya que leí el texto y esa noche dormí bastante mal por la extrañeza que me causó: sensaciones de dolor y risa al mismo tiempo, imposibilidad de catalogarlo como tragedia o melodrama... Y ese conglomerado emocional era para mí la señal de que no tenía más remedio que embarcarme en lo que me ofrecía Gerardo Vera. Cuando siento ese desasosiego, esa palpitación, esa revolución interior que consigue un texto, me doy cuenta de que es esa la obra que tengo que hacer y no otra por la necesidad de contar algo que me haga reflexionar, me remueva y me sacuda.

DG: Mi personaje, Amelia, es una mujer acomodada que espera la vuelta a casa de su marido, un general acusado de crímenes de guerra. Está en una burbuja que le aísla del dolor, sin querer Da vida a una mujer durante dos tercios de la obra, un personaje que luego desaparece otorgando protagonismo a la guerra, las guerras, porque no se refierne a ninguna en concreto. A todas ellas, las que a pesar de la distancia golpean con fuerza en el salón de nuestra vivienda, en un país apacible, occidental y en principio ajeno al caos que tiene lugar en otra esquina del mundo.
ASG: ver y comprender, adoptando la postura de no saber lo que pasa a su alrededor aunque en el fondo lo sabe todo, y la lucidez la lleva al desastre. La concepción del personaje, por lo que tenía de novedoso y extraño, me parecía un reto aún mayor.

DG: El Teatro Valle-Inclán se inauguró hace unos meses con Divinas palabras, un montaje concebido para un espacio a la italiana. Ahora con Cruel y tierno ofrece una nueva perspectiva escénica, con público disperso en torno a una escenografía a tres bandas...
ASG: Una comunión total e interacción entre actor y espectador, que está muy cercano, más que en toda mi vida como actriz. La primera fila está metida de lleno en el escenario, introduciéndole de manera física al espectador y haciéndole participe de lo que está pasando. Tanto aperturismo, el despojarse de vestiduras innecesarias, está siendo muy estimulante además de permitir dejarnos la piel confiando en la potente conciencia de grupo de todo el conjunto de actores, los once, independientemente de los minutos que cada personaje esté en escena. Y todo se lo debemos a Javier G. Yagüe.

DG: Después de dos meses de ensayo el CDN pone en pie esta obra que aglutina el aliento de tragedia con el lenguaje contemporáneo, confiando además en uno de los valores destacados de la escena contemporánea alternativa...
ASG: Que el director, dramaturgo (es coautor de la Trilogía de la juventud y Café) y cabeza visible de la Sala Cuarta Pared sea el responsable de la adaptación de la primera versión de obra del británico Martin Crimp, aporta una nueva concepción al proyecto. Me pareció un estímulo añadido, además del texto tan moderno y complejo, con frases cargadas de mensajes. Sólo alguien como él sería capaz de darle la visión profunda que necesitaban las palabras sobre el papel.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Daniel Sánchez Arévalo

2006-04-21T09:20:00.000+02:00

Es autor de Profilaxis, Gol y Exprés, tres de los cortometrajes más exitosos de los últimos años. La culpa del alpinista, basado en una idea que le brindó Julio Medem, alcanzó la sección Corto Cortissimo de la Mostra de Venecia celebrada en 2004. Este guionista madrileño curtido en series de televisión (Farmacia de guardia, Hospital Central) debuta en el formato estrella con una comedia sobre el duro drama de la vida, una historia que supone la continuación, siete años después, del relato aparcado en Física II, cortometraje que atesora más de 40 premios.

Considera que el cine es un arte muy caro para darle la espalda al público y ahora aguarda su reacción después del paso de AzulOscuroCasiNegro por el Festival de Málaga, donde ha logrado los premios de la Crítica, el Especial del jurado y el de Mejor guión. Una carrera de fondo que le está dando buenos resultados a un prometedor cineasta que nunca pensó en abandonar su camino marcado por la licenciatura en Empresariales.

Daniel Galindo: Su debut en el largometraje parece un puzzle de miedos y fantasmas, los de un grupo de jóvenes que lo tienen difícil al asentarse en el mundo de los adultos, una crónica aciaga presentada a modo de comedia oscura, casi negra.
Daniel Sánchez Arévalo: Coincido con el actor Hector Colomé en que la vida es dramática en un noventa por ciento, aunque las situaciones cómicas y patéticas ocupan y alegran buena parte de la existencia. Por eso decidí introducir a los personajes en ese ambiente y en esa edad, la que ronda ya los treinta, que parece menos cinematográfica que la del paso de la adolescencia a la juventud. La historia engancha con el final de Física II donde el personaje de 18 años empieza a tomar sus propias decisiones. Yo me pregunté qué ocurre si con 25 años, en la pre-madurez, sigues estancado en tus problemas, inseguridades y circunstancias.

DG: Sin llegar a ser autobiográfica, AzulOscuroCasiNegro parte de dentro, de sentimientos que albergó durante muchos años...
DSA: Es verdad. No me reconozco en el exterior pero si me identifico mucho con el mundo interior del este chaval con tendencia a cargar con la responsabilidad de todo lo que le rodea, que lucha en contra del destino que supone impuesto para él. Esos años, de los 18 a los 25, fue una etapa complicada para mí al no tener claro el camino a seguir y no era culpa de mi familia sino de mi mismo, por asumir cosas que nadie me asignaba. Es lo que le pasa a Jorge, que se tiene que dar cuenta de que su mayor enemigo es él mismo y a partir de ahí es cuando empieza a avanzar, en cuanto el superviviente se da el gusto de conocerse.

DG: Sus actores le han calificado como ‘novel con mucha madurez’, destacando la labor de dirección que ha realizado con ellos...
DSA: Y yo sólo puedo decir que he tenido a los mejores. Con algunos ya tenía lazos de amistad y con otros los he creado. Me encanta trabajar con los intérpretes, conocer sus limitaciones, sus deseos reales,... He disfrutado mucho en los ensayos y yo pensaba que iba a estar nervioso durante el rodaje por la responsabilidad, algo que me traumatizó en los primeros momentos. Siendo sincero creo que, más que dirigir bien a los actores, los elijo de forma adecuada. Es la base porque traen mucho de ellos mismos, independientemente de los ensayos.

DG: Veamos si el experimentado escritor barre para casa... ¿El guión es la base de un buen trabajo de dirección e interpretación?
DSA: Si. Un si rotundo porque el resto, lo que viene tras la concepción y creación frente al ordenador, me parece más fácil. Tenía claro que el guión de mi primer largo debía ser sólido, tenerlo todo claro. Más aún en esta película un tanto complicada por ser una historia de cubículos, con personajes encerrados en su micro-universo, una parcela en la que se tienen que adaptar para, atrapados en sus circunstancias, ser felices en la medida de lo posible. Y la película balancea entre los que quieren abandonar su celdita y cambiar, y los que quieren que no se desestabilice su contenido, algo muy difícil de asimilar.

DG: A pesar de ser un posible riesgo, de que pudiera resultar poco creíble o ridículo, ha sorprendido con un argumento que combina el drama y la comedia
DSA: Es una constante en toda mi obra de cortometrajes. Descubrí mi vena literaria a los 24 años y desde entonces no he podido evitar cuando escribo, buscarle el humor a las cosas. El drama por el drama me suele dejar de interesar, no así las películas que son capaces de hacernos pasar de la risa al llanto, de la emoción a la alegría. Por eso era muy importante el trabajo estrecho con los actores, que comprendiesen sus papeles y volasen. Es curioso que durante 8 años tuviera la historia en la cabeza, la plasmase durante 3 meses y, teniendo miedo a que me correspondiera en exclusiva, acabará perteneciendo también a ellos. Ha sido una liberación, una liberación compartida.

Natalie Portman

2006-04-07T11:57:00.000+02:00

Natalie Herslag se dio a conocer en 1994 con León, el profesional, de Luc Besson, y apareció junto a Al Pacino en Heat. Tenía 12 años por aquel entonces y sólo dos después sorprendería con dos títulos diferentes: Todos dicen I love you, de Woody Allen y Beautiful girls, de Ted Demme, una cinta generacional que, fíjense en las casualidades, cuenta con los mismos patrones que Algo en común, la inteligente ópera prima del guionista y actor Zach Braff, rodada en 2004. Entre ambas surgieron películas como Mars attack! (Tim Burton) y Cold Mountain (Anthony Minghella).

En 13 años de carrera ha compaginado sus proyectos en cine con las primeras incursiones en el teatro. En su Nueva York de adopción debutó sobre las tablas con un papel caramelo para cualquier actriz, el personaje de Nina en La gaviota, arropada por Meryl Streep, Kevin Kline y Philip Seymour Hoffman. No quedaría aquí la pasión por la escena, ya que durante la temporada 1997-98 Portman protagonizó en Broadway El diario de Ana Frank, montaje aclamado por el público y la crítica.

Sus estudios de Psicología en Harvard le han permitido encarar personajes con más aristas punzantes de las habituales, como el de Evey en V de Vendetta, una joven bajo la opresión totalitaria de un gobierno fascista que pasa, de la noche a la mañana, de ser una oficinista anónima a una audaz heroína con firme compromiso político. Del proyecto le atrajo las innumerables reflexiones que se extraen de la novela gráfica original de Alan Moore que comenzó a publicarse en 1981 y se completó en 1989.

A sus 25 años, la que durante una década ha sido madre de Luke Skywalker y Reina Amidala en los tres primeros episodios de La guerra de las galaxias, vio como la popularidad frenaba su carrera cinematográfica. No era Portman una actriz que se prodigase mucho en los repartos: tras el acelerón inicial parecía que diese miedo pronunciar su nombre entre los productores. Pero el caché no era problema: asentada en su trono de joven talismán de cineastas independientes –Algo en común, V de Vendetta-, en 2004 comenzó su carrera británica con Closer, de Mike Nichols, en la que compartía protagonismo con Jude Law, Julia Roberts y Clive Owen y por cuya interpretación recibió el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto.

Para protagonizar V de Vendetta no dudó en raparse la cabeza y renunciar a otros trabajos. Al fin caía en sus manos el guión de una película movidita con trasfondo social y sustancia política, donde la acción era lo menos importante. Su director, James McTeigue, destaca de ella un talento innato y su gran capacidad de concentración. Portman no es ajena a los tiempos que corren y dicen que es una voraz lectora que introduce en sus conversaciones referencias a Shakespeare y a pensadores contemporáneos. Quizás eso fue lo que convenció a los productores, los hermanos Wachowski (Matrix), de su candidatura frente a otras actrices como Bryce Dallas Howard y Scarlett Johansson, con cuya carrera tiene la de Portman muchos puntos en común.

El año pasado volvió a su Jerusalén natal para rodar Zona libre a las órdenes del más internacional de sus compatriotas cineastas, Amos Gitaï. Si en ésta intervenía en secuencias junto a Carmen Maura, en Los fantasmas de Goya, también a punto de estreno, hacía lo propio con Javier Bardem. Cuatro meses estuvo en nuestro país compartiendo la visión de Milos Forman de una España anclada en la tradición y una corte rendida al genio de Francisco de Goya.

Confesa admiradora de la reina Rania de Jordania, considera que la fama le puede brindar la posibilidad de ayudar a los más desfavorecidos aunque no quiere servir de ejemplo a los que están creciendo. Tiene la cabeza bien amueblada y durante la promoción de su último título ha manejado paralelismos con la Alemania nazi, Guantánamo, Irán y los genocidios en Ruanda, la desmembrada Yugoslavia y Sudán, soltura intelectual en un Hollywood mermado en sus capacidades. Por ello no oculta su deseo de trabajar con directores especiales o controvertidos como Michael Haneke y Roman Polanski y realizar incursiones en el cine europeo. ¿Lo próximo? Paris je t’aime, donde protagoniza una de las 20 instantáneas de amor dirigidas por cineastas como Fernando Trueba, Isabel Coixet, los Coen y Walter Salles.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Pedro Almodóvar

2006-03-18T11:10:00.000+01:00

Después de quince títulos venerados dentro y fuera de nuestro país, nuestro manchego más internacional -con permiso de Don Quijote- se rodea de nuevo de mujeres para contar una tragicomedia.

Volver habla de seres que escapan del pueblo y emprenden una nueva vida en la ciudad, aunque sin renunciar a sus raíces. Con ella mira de nuevo en cierto modo a su infancia al igual que en su anterior trabajo, La mala educación. Su película número dieciséis se estrena en toda España y dentro de mes y medio llegará a las pantallas de Italia y Francia. Puede que se presente también en Cannes, tras muchos años de ausencia española en la sección oficial a concurso. Él mismo lo cuenta.

Daniel Galindo: Volver a rodar con Carmen Maura, Chus Lampreave y Penélope Cruz, volver al pueblo, volver a La Mancha, a la muerte y a los recuerdos…
Pedro Almodóvar: No quería ahondar en los sangrientos ajustes de cuentas entre familias, saldados por nietos ajenos a las rencillas originales, pero si quería bucear en una España blanca y luminosa, la que convive con la que genera los capítulos más negros. El origen de esta historia tiene lugar en un oscuro suceso que contaba el personaje de Marisa Paredes en La flor de mi secreto, aunque ya sabéis, aderezada con puntos de humor y una mirada infantil porque yo, de La Mancha, me fui con 8 años y cuando vuelvo sigo sintiéndome como un niño al que le vienen a la memoria sus padres, sus vecinas, su entorno…

DG: ¿Y cómo se siente al verla en pantalla y no sobre el guión?
PA: Ahora que la tengo cerrada y lista para el espectador puedo decir que me he quedado un poco más flojito, más frágil y en cierto modo vulnerable que cuando empecé a hacerla: pisar los mismos espacios donde transcurrió mi infancia me ha provocado un caudal de sensaciones contrarias, emociones balsámicas y terapéuticas. Ha sido como destapar el pozo que hay en toda casa manchega y dejar al descubierto mis pasiones, mis sueños y mis recuerdos de niño, aflorando todo en el momento de mi vida más blando y "sensiblón". Pero ha sido una experiencia muy gratificante.

DG: ¿Y el tema de la muerte? ¿El hecho de dejar las cosas bien resueltas para que no sea necesario volver?
PA: Me he liberado en parte del modo de mirar de frente y con miedo a algo tan cotidiano como la muerte. Nunca había aceptado el hecho de que una persona querida pudiera fallecer y aquí he intentado transmitir de qué manera, natural y sin dramatismo, los manchegos conviven con la muerte, intentando no dejar cabos sueltos en vida, saldando las cuentas pendientes. Y hasta aquí puedo contar no sin decir que a Carmen Maura le debo mucho por su excelente trabajo.

DG: Después de la carga masculina de La mala educación y de la ausencia-presencia de las mujeres en Hable con ella, regresa a su mundo más femenino.
PA: Yo me crié rodeado de mujeres, casi todos mis argumentos giran en torno a ellas y ha sido muy emocionante, catártico incluso, reencontrarme las que dieron origen a mi mundo. En el caso de mis chicas creo que están espléndidas y hay más de una secuencia en la que ellas consiguen rozar el cielo. Han ratificado una vez más la razón por la que yo me hice director de cine: asistir a la primera representación de un actor, ver cómo construye su personaje. Además, esta es su película, la de Blanca Portillo, Yohana Cobo, Lola Dueñas, Chus Lampreave, Carmen Maura y Penélope Cruz; un trabajo sobre madres que regresan para solucionar asuntos pendientes, el tratamiento de la muerte entendida en sentido lúdico, las mujeres fuertes y la solidaridad entre vecinas.

DG: Ha asegurado que está preparado psicológicamente para regresar a Cannes, esta vez a concursar. Eso quiere decir que podemos dar por hecho la participación de Volver en el festival de festivales.
PA: Ir o no ir no depende de mí, más quisiera yo. Sólo puedo decir que ya la ha visto el director, y yo lo primero que hice fue preguntar a las chicas si les apetecería pasear su palmito por La Croisette y dijeron que si. Hasta abril no sabremos nada. La última palabra, y es lógico, la tiene el director y la comunicará en su pertinente rueda de prensa, aunque me consta que a los seleccionadores les ha gustado.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con Pedro Almodóvar.

Crítica de "Volver".

Avanzamos... "Volver".

Perfil de Carmen Maura.

Carmen Maura

2006-03-18T10:55:00.000+01:00

Poseedora de un don especial para la interpretación, esta madrileña no tiene parangón en el cine de hoy, al menos en el español.

Hay excelentes actrices, aquí y en Europa, que acumulan experiencia, pero se cuentan con los dedos de una mano las que a sus 60 años continúan en activo, rifada entre los cineastas, acreedora de una mirada diferente y siendo algo que muchos dicen con demasiada ligereza: un icono.

Estaba al frente de una galería de arte cuando su vocación artística fue cobrando fuerza a finales de los sesenta: de los escenarios, los cortometrajes (Pomporrutas imperiales) y los café-teatros saltó a la televisión, donde recibía los piropos de Fernando García Tola ("nena, tú vales mucho"), alternándolos con intervenciones en varios Estudio 1.

Fernando Colomo y Fernando Trueba la convirtieron en la musa de la comedia disparatada que dejaba atrás la transición y se abría paso entre las moderneces y los progres: Alaska –por citar un nombre- era a la música lo que Carmen Maura al cine. Pero antes fue el teatro y antes también, chica Colomo, con Tigres de papel y ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?

"No fui la primera chica Almodóvar porque en aquellos momentos éramos tres ó cuatro". Con soltura se corta la etiqueta, aunque no se desdice de ella. Pepi, Luci, Bom... y otras chicas del montón sería la primera de seis colaboraciones entre la actriz tragicómica -según él- y el cineasta talentoso -según ella-. Maura puso voz y cuerpo a las historias del manchego, a las primeras, como ¿Qué he hecho yo para merecer esto? y Entre tinieblas, con las que entronca ahora Volver.

Premio Nacional de Cinematografía por su labor indiscutible a nuestro cine, Mario Camus la convirtió en una ex-terrorista de ETA en Sombras en una batalla y demostró, gracias a Ana Belén, Cómo ser mujer y no morir en el intento. Eso antes de instalarse en Francia, donde ha rodado a las órdenes de André Techiné (Alice y Martín), Martín Provost (El vientre de Juliette) y Etienne Chatiliez (La alegría está en el campo, por la que fue candidata al César). Habitual en los repartos internacionales de nuevos y consagrados directores, no le falta tiempo para hacer la maleta e irse a rodar a Argelia (El harén de Madame Osmane), Argentina (El sueño de Valentín), Italia (Ángeles de negro), México (Al otro lado) o Bélgica (25 grados en invierno). También a Israel, con Zona libre, en la que pronto la veremos como suegra de Natalie Portman a las órdenes del realizador Amos Gitai.

Circunstancias de la vida, en España rodó a finales de los 90 Lisboa, junto a Sergi López, el otro embajador de nuestro cine en Francia –con permiso, eso si, de Victoria Abril, Inés Sastre y José García-. Antonio Hernández la trajo de nuevo a España y Alex de la Iglesia hizo que deslumbrase con su protagonista absoluto en La comunidad: un nuevo Goya se sumaba a los conseguidos por Mujeres al borde de un ataque de nervios y ¡Ay, Carmela! donde fue el rostro de la República surgido del imaginario de José Sanchis Sinisterra y tamizado en 1990 por Carlos Saura.

Acaba de entrar en los sesenta y sigue ilusionada con el cine como el primer día. Para comprobarlo sólo basta ver su apoyo a jóvenes realizadoras en sus cortometrajes –dentro del proyecto 50 minutos- y disfrutar de Volver, punto final a 17 años de parón en la relación Maura-Almodóvar y puesta de largo de la misma química, la confianza, que siempre hubo entre musa y creador, esa que le permite hacer cosas al borde del precipicio sin miedo a despeñarse.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

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Hablamos con Pedro Almodóvar.

Crítica de "Volver".

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Perfil de Carmen Maura.

Krzysztof Kieslowski

2006-03-13T18:49:00.000+01:00

Un preciado objeto de culto en DVD, que casi 18 años después de su estreno llega a las pantallas de cine, constituye el tributo de la distribuidora Nirvana en el décimo aniversario de la muerte de este referente del cine polaco y de toda Europa del Este.

Aunque pasó a la historia del séptimo arte por méritos propios, el autor de No matarás es de esos cineastas condenados y arrebatados en pro del cine de culto y basta que uno diga en voz alta alguno de sus títulos menos comerciales, los anteriores a la trilogía Tres colores, para corroborar cierta pedantería, no del realizador y guionista por supuesto, sino del susodicho cinéfilo esnob que se apropia de su marca.

El clima político de la postguerra sirvió de base a sus experimentos tras estudiar en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. El grueso de la producción de este joven de Varsovia nacido en 1941 era similar al de sus coetáneos, constituido por documentales y trabajos de ficción sobre la problemática económica y social dominante en un país en aquel momento que buscaba levantarse tras la dañina Segunda Guerra Mundial.

Hay quien asegura que su visión era espiritual, alejada de lo terrenal, aunque sea todo lo contrario al atestiguar con su cine plástico y emocional los aspectos más físicos de la cruda realidad. Su firma estuvo adherida al movimiento ‘extracomunitario’ conocido como cine de la inquietud o agitación moral, surgido al amparo de la gran crisis nacional y la fundación del sindicato Solidaridad. Y Kieslowski acabó cimentando su cine como posible vía de escape al mundo restrictivo impuesto por el régimen imperante en su Polonia natal, en la orbita del comunismo.

A modo de referencias incluyó en su carta de presentación sus primeras obras: Paso subterráneo, El personal y La cicatriz, premiada en el Festival de Cine de Moscú de 1976. A éstas seguirían otras rodadas en la nueva década como Aficionado, Suerte a ciegas o Sin fin. Los festivales internacionales se rifaban las nuevas propuestas de este joven creador que pronto se convertiría en piedra de toque del nuevo cine del viejo continente, como el alemán Wim Wenders y el británico Stephen Frears, por nombrar a algunos.

Su Decálogo a partir de los Diez Mandamientos bíblicos, compuesto por diez trabajos para televisión y dos largos (No amarás y No matarás), constituyó una especie de impuesto al orden político que empezaba a colear en los 80. Pero el creador, aunque pueda resultar paradójico, dejó una profunda huella materializada en un cine más etéreo, ahondando en sentimientos y emociones humanas. Pieza fundamental es Krotki film o zabijaniv (es su título original), estrenada en 1988 y que recibió el premio especial del jurado del Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera de ese año.

En su etapa final tuvo tres musas, tres mujeres que abanderaron la causa de su trilogía más famosa: Azul, Blanco y Rojo. Ellas fueron Juliette Binoche, Julie Delpy e Irene Jacob y personificaban los ideales revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad. Pocos meses antes de su fallecimiento había anunciado su retirada definitiva de la industria europea, que perdía a uno de sus creadores más personales y prolíficos. Krzysztof Kieslowski murió en Polonia el 13 de marzo de 1996. Tenía 54 años.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Stephen Frears

2006-03-03T10:08:00.000+01:00

Aunque los derroteros artísticos le llevaron por el camino del teatro, dirigiendo obras para el Royal Court Theater, encontraría en el cine y la televisión su verdadera razón de ser.

En la actualidad no hay muchos directores que puedan enfrentarse con la misma soltura a un drama de época como Mary Reilly y a un docudrama político que ponga en entredicho la labor de Tony Blair. Stephen Frears no sólo es capaz sino que afronta nuevos retos casi tres décadas después de estar dedicado por entero al cine.

La adaptación de la novela de Hanif Kureishi Mi hermosa lavandería -con un joven Daniel Day Lewis-, Ábrete de orejas y Sammy y Rosie se lo montan, una trilogía sobre la sociedad inglesa bajo el mandato de Margaret Thatcher, le confirmaron como uno de los directores de la nueva ola del cine británico. Heredero de los progresos del "free cinema" de los sesenta, Frears es poseedor de un lenguaje identificable, con rasgos propios como el humor negro, la naturalidad y agilidad de los diálogos y el enfoque original de ciertos dramas.

La hilarante y realista Café irlandés abriría a comienzos de los 90 su etapa más costumbrista, alimentada por La camioneta. Una separación temporal, formal y argumental en el arco temporal que se había iniciado en 1971 con Detective sin licencia, y dos relatos emplazados en ambientes criminales rodados en la década siguiente: Chicos sangrientos y La venganza.
Creador activo donde los haya –suele estrenar una película cada dos años-, Frears se erige en paladín del cine que se hace en el viejo continente a sabiendas de que para hacer frente al todopoderoso Hollywood hay que encontrar historias únicas y dotarlas de la envoltura atrayente de títulos recientes como Largo domingo de noviazgo o las propuestas de cineastas españoles como Pedro Almodóvar y Julio Medem.

Pero Frears no reniega de la industria norteamericana ya que fueron concebidos en su seno algunos de sus éxitos como Hi-Lo country, Alta fidelidad y Las amistades peligrosas, en la que dirigió a John Malkovich, un conde juguetón que flirteaba con Michelle Pfeiffer y Uma Thurman. Un ejemplo que corrobora su capacidad para contar buenas historias, darles otro aire en el caso de que estén basadas en novelas. Todavía nos queda mucho por ver de este defensor a ultranza del trabajo de guión como base de un proyecto.

A sus 65 años este británico ha regresado con Mrs. Henderson presenta a la comedia con clase después de destapar los Negocios oscuros de un grupo de explotadores encabezado por Sergi López, principal protagonista junto a Audrey Tautou de este thriller curioso cuya trama tiene lugar en los suburbios del Londres que el turista nunca ve. Una crítica irónica acerca de la inmigración ilegal.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Imanol Arias

2006-03-03T10:00:00.000+01:00

Rostro habitual en el cine de las dos últimas décadas del siglo XX, este vasco-leonés entrado ya en la cincuentena tiene una larga lista de películas, más de 40. Muchas de ellas rodadas a las órdenes de los grandes, como Pedro Almodóvar (Laberinto de pasiones, La flor de mi secreto), Vicente Aranda (El Lute, Intruso, El amante bilingüe) y Mario Camus (La colmena), aunque también ha participado en tantas óperas primas como el tiempo se lo ha permitido. Sin olvidar sus escarceos como director en Un asunto privado.

Ha estado casi un lustro alejado del cine. Tenía muchas ganas de reencontrarse con el público y ahora se desquita con el estreno de La semana que viene (sin falta) en su doble faceta como productor y actor protagonista en un papel, el de mecánico conocedor del mundo del tuning, que le ha rejuvenecido a pesar de las contrariedades a las que se enfrenta en la ficción.

Daniel Galindo: Sin desvelar el argumento de la cinta, donde el factor sorpresa es crucial, sólo diremos que versa sobre las segundas oportunidades que de vez en cuando se presentan... ¿Es la película que necesitaba para regresar a la pantalla grande?
Imanol Arias: Quiero creer que nunca me he ido. Estoy en activo desde que empecé a trabajar antes de los 20 años, aunque siendo sincero, es verdad que el personaje de Antonio Alcántara en Cuéntame me ha tenido algo apartado. También es cierto que la televisión y concretamente esta serie me ha dado muchísimas satisfacciones después de haber protagonizado otras como Anillos de oro y Brigada Central. Llevaba tiempo buscando algo con lo que retomar la actividad y, mira por donde, llegó esta que pone de relieve como en tiempos difíciles el cine busca historias pequeñas que lleguen al corazón, que intente transmitir ideas básicas.

DG: Una historia que algunos conocían por Mi pequeño negocio, dirigida por Pierre Jolivet, aunque visto el resultado hay que decir que se parecen muy poco.
IA: La versión que nosotros hacemos es bastante más alocada que la francesa, con más humor y otro enfoque distinto, cambiando una ebanistería por un taller de coches. Creo que Josetxo San Mateo ha captado muy bien la mezcla de culturas, haciendo que la ciudad de Madrid parezca una urbe-puzzle, con acentos y culturas diferentes en contacto físico, nada más lejos de la realidad.

DG: Parece que se siente muy orgulloso de su trabajo como productor.
IA: La preparación, el rodaje y la post-producción me provocaron un continuo descubrimiento. Si, además, formas parte de la historia no sólo como actor o como productor, sino tocando ambos palos, el placer es mucho mayor. Y por si fuera poco, me siento agradecido de que esta película me haya elegido. Quería ayudar al productor, Antonio Pérez, no encareciendo su coste y qué mejor forma de hacerlo que llevándome también la oportunidad de estar atento a las 6 semanas de rodaje, viendo como se rueda en alta definición, con varias cámaras... Lo dicho: un constante descubrimiento.

DG: El personaje de Teo es un "buscavidas", un tipo que está constantemente en marcha, sin descanso. ¿Fiel reflejo de Imanol Arias?
IA: Creo que sí, al menos de lo que siento en este momento. Es más, debemos aplicar en nuestra vida el concepto tuning: cambiar y personificarse, alargando nuestras capacidades y anhelos. La semana... me pareció algo nuevo, un reto, así que decidí tunearme un poco el alma.

Entrevista realizada por Daniel Galindo y publicada en LaNetro.com.

Tommy Lee Jones

2006-02-17T09:40:00.000+01:00

Es uno de los actores más solventes del panorama cinematográfico actual y a sus 60 años debuta como director de cine con un cadáver exquisito, el de Melquiades Estrada.

Está dispuesto a demostrar su buen trabajo a ambos lados de la cámara con una preciada historia fronteriza en todos los círculos donde se ha proyectado que, en su opinión, no es más que un reflejo de la igualdad del ser humano: 'el Río Grande no separa estados de conciencia; integramos una misma raza y hablamos el mismo lenguaje, aunque con matices'. El carácter de Tommy Lee Jones recuerda al de Clint Eastwood, aunque aún está bastante distanciado del responsable de Sin perdón y Million Dollar Baby.

En la brecha a lo largo de los últimos 30 años, desde que se estrenó con Love Story (1970), quienes han trabajado con él dicen que es un concienzudo creador de perfiles, de lo que damos fe gracias a magistrales interpretaciones como la del presunto conspirador Clay Shaw en JFK: Caso abierto, de Oliver Stone, la del legendario jugador de béisbol Ty Coob y el villano Dos Caras que salvó de la quema la tercera entrega de Batman y primera firmada por Joel Schumacher (Batman forever).

Siguiendo la estela de otros actores metidos a cineastas como Mel Gibson, Jodie Foster y George Clooney, el tejano amable que persiguió como sheriff a Harrison Ford en El fugitivo e incombustible hombre de negro, debuta como director y productor con Los tres entierros de Melquiades Estrada, que le vincula a su amigo Guillermo Arriaga. El guionista preferido de Alejandro González Iñárritu, responsable de los libretos de Amores perros, 21 gramos y Babel -aún por estrenar-, le ofreció su original punto de vista sobre el mundo, acercándose a la gente del sur de Texas que quería retratar en su ópera prima.

Inquieto y curioso, Jones participó en el proceso de escritura al dominar el lenguaje literario, sacando partido a su graduación 'cum laude' en literatura inglesa por la Universidad de Harvard, donde fue compañero de cuarto de Al Gore, candidato a regir los designios del mundo desde la Casa Blanca. Hay que decir que el formato y las directrices como realizador no les resultaba extraño ya que hace una década dirigió The good old boys, largometraje para televisión distribuido en España en video bajo el nombre de Viejos muchachos.

Su thriller fronterizo e irónico fue la gran sorpresa del pasado Festival de Cannes, donde fue galardonado con la Palma de Plata al mejor actor por dirigirse a sí mismo, al igual que el guión de esta tragedia griega un tanto polvorienta, un homenaje a Sam Peckinpah, Robert Aldrich y Raoul Walsh camuflado como cacería del asesino de un emigrante mexicano.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Eric Bana

2006-01-27T09:07:00.000+01:00

A finales de los años 60 Steven Spielberg coqueteaba con la cámara y su primer cortometraje, Amblin. Desconocemos si por aquel entonces tenía ya en mente Tiburón, pero sí que empezaba a mover lo que en 1971 estrenaría como su primer largo, El diablo sobre ruedas. Al otro lado del globo crecía en Melbourne (Australia) Eric Banadinovich, nacido en 1968 en el seno de una familia de emigrantes formada por croata y alemana.

Tres décadas más tarde les uniría el destino y más concretamente el interés del rey Midas de Hollywood por confiar en actores poco conocidos los papeles protagonistas de sus trabajos más serios como El color púrpura y La lista de Schindler. Gracias a él sería fotografiado como Avner, personaje principal de Munich, sentado con una pistola en su mano y debatiéndose entre el deber y la crisis de conciencia, una imagen que empapela calles y marquesinas de todo el mundo por ser el cartel promocional de la cinta.

Cuando que se produjo la llamada de las oficinas de Spielberg para concretar asuntos del proyecto el nombre de Eric ya sonaba en boca de los directores de cásting de Los Ángeles. No estamos por tanto ante un nuevo actor, pero si frente a una incipiente estrella para quien queda ya muy lejos la etapa en que trabajó de barman y cuentachistes profesional –presentó hasta un programa de humor- mientras consigue elogios por el papel de líder de un comando formado por agentes del Mossad, el servicio secreto israelí.

Antes de Munich, Bana había ido acumulando trabajos con algunos de los grandes del cine internacional: una primera aparición notable a las órdenes de Ridley Scott en Black Hawk derribado, el gigante verde de nombre Hulk en versión de Ang Lee, y su participación como Héctor en Troya, una de las batallas más grandes jamás contada y narrada por el alemán Wolfgang Petersen.

Sus 190 centímetros de estatura encandilaron al director que ahora saborea las mieles del éxito gracias a Brokeback Mountain: ¿se imaginan a Bana compartiendo papel con Jake Gyllenhaal en lugar de su compatriota Heath Ledger? No crean que la hipótesis es apresurada porque Lee salió más que contento de su Hulk de encargo.

Munich llega a las carteleras envuelta en una polémica que para Bana es un tanto artificiosa ya que con sólo pronunciar Israel y Palestina, sin entrar en detalles, se provoca un debate airado. No obstante se muestra contento de este trabajo tan responsable que, con mayor fidelidad o no a los hechos, devuelve a la opinión pública la tragedia ocurrida en los Juegos Olímpicos de 1972.

Eric Bana se siente ilusionado al pensar en la posibilidad de acariciar algún que otro Oscar que reconozca la labor de un inmenso equipo en Munich, pero lejos de afincarse en el corazón de la industria, en donde ha rodado Lucky you de Curtis Hanson (L.A. Confidential, En sus zapatos), sigue viviendo en su paraíso remoto junto a su mujer y sus dos hijos, participando en producciones más modesta como Romulus, my father, con la que se involucra en las memorias del escritor Raimond Gaita, que dejó Yugoslavia tras la Segunda Guerra Mundial. Una historia de emigrantes que le habrá calado hondo y puede convertirse en otro título de su variopinta y prometedora filmografía, esa que al recordar dentro de muchos años no le haga llevarse las manos a la cabeza.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Elijah Wood

2006-01-23T19:30:00.000+01:00

Con 8 años ya aparecía en las pantallas de cine de todo el mundo. Aquello tan sólo fue un aviso, un temprano preludio de lo que décadas más tarde ocurriría.

La historia de este joven actor ídolo de masas, con mirada peculiar, baja estatura y aparente fragilidad no es muy diferente de la del resto de compañeros de generación, como Scarlett Johansson, Kirsten Dunst, Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Hayden Christensen y Cristina Ricci, todos ellos niños criados en los estudios de rodaje y con una extensa filmografía a sus espaldas sin haber llegado aún a los 26 años de edad.

En casa vieron que el chaval apuntaba maneras y le presentaron a un cásting que allá por 1989 estaba haciendo Robert Zemeckis para la segunda entrega de Regreso al futuro, pero no fue hasta que Barry Levinson le dio un papel de importancia en Avalón, dos años después de su debut, cuando se sucedieron las llamadas de productores, convertidas luego en trabajos como los de Eternamente joven, El buen hijo, Las aventuras de Huckleberry Finn, Flipper, Oliver Twist y La guerra.

El cineasta taiwanés Ang Lee explotó su vena más dramática en La tormenta de hielo. Estábamos a mediados de los noventa y Wood se había convertido en el adolescente ideal para protagonizar productos de terror escolar como The Faculty, donde fue dirigido por primera vez por Robert Rodríguez, y cintas de ciencia ficción como la catastrofista Deep Impact (Mimi Leder).

En 15 años de carrera ha aprendido mucho, como lo que cuesta desprenderse de la capa y las orejas de hobbit: protagonizar la trilogía cinematográfica más arriesgada hasta el momento le llevó a embarcarse en un único proyecto durante más de cuatro años, un trabajo que nadie aseguraba que fuera a llegar a buen puerto. Y la suya fue una apuesta total, ya que su nombre no figuraba en el reparto inicial: Peter Jackson buscaba un actor con acento británico, pero su insistencia fue tal que le llevó a enviar un video cuyo contenido debió gustar mucho al director neozelandés porque ya sabemos qué pasó.

Varios años después de dar vida al protagonista principal de El Señor de los Anillos, este oriundo de Iowa busca su lugar en el mundo de la interpretación, por ahora alejado de las grandes producciones de Hollywood. En ese intento por desaparecer del mapa hasta que los más jóvenes dejasen de forrar sus carpetas con fotos de Wood como Frodo Bolsón se topó con el actor, director y guionista Liev Schreiber, quien le confió el personaje central de Everything is illuminated. Basada en la novela homónima de Jonathan Safran Boer, la película muestra el periplo de un joven estadounidense que viaja hasta Ucrania en busca del pueblo donde nació su abuelo. El proyecto fue visto como una oportunidad para hablar de una historia humana a partir del descubrimiento de uno mismo, de las raíces de la familia y de encontrarte a través de un legado.

Desde Praga, donde se rodó esta tragicomedia, viajó hasta el frío Polo Sur, y gracias a esa curiosa expedición fílmica, a finales de año escucharemos su voz junto a las de Nicole Kidman y Robin Williams en Happy feet, una historia animada con bailones pingüinos antárticos que a través de las canciones encuentran a su alma gemela. Aunque en 2005 Wood también tuvo tiempo para trasladarse en el tiempo de manos del actor Emilio Estévez y su ópera prima como director, Bobby, convirtiéndose en una de las 22 personas que se encontraban en el Hotel Ambassador de Los Ángeles la noche el 6 de junio de 1968, en la que fue asesinado el senador Robert Kennedy.

Una pieza más a su colección de cintas de bajo presupuesto, que empezó a engrosarse mucho antes, cuando se hizo con un personaje secundario en la acertada en cuanto a su extravagancia Olvídate de mí, junto a Kate Winslet y Jim Carrey, para entrar después en la ciudad del pecado (Sin City) creada por Frank Miller y llevada al cine por Robert Rodríguez. Y por ahí van los tiros, atesorando papeles de corte más minoritario hasta que, cosas de Hollywood, un tipo como Peter Jackson o Steven Spielberg le agarre para otra gran producción.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Silvia Abascal

2006-01-23T19:23:00.000+01:00

No le hacemos elegir entre cine, teatro y televisión porque en cada uno de ellos se entrega al 100%, abarcando todas las expresiones dentro del mundo de la interpretación.

Del teatro por ejemplo afirma que 'con cada representación naces y mueres', mientras que el cine es eternidad y la pequeña pantalla es tan respetable como sus hermanas mayores, y no sólo como cantera de nuevos intérpretes.

Un poco de esa eternidad llega ahora a las pantallas en forma de fábula iniciática ambientada en la España de 1975. Siempre recordará el rodaje de Vida y color, la ópera prima del realizador televisivo Santiago Tabernero donde tuvo la oportunidad de trabajar con su hermana Natalia. Las dos crean una relación profesional a partir de un proceso emocional del que ella destaca la verdad de los niños y, en concreto, de aquellos que tienen Síndrome de Down, una naturalidad que siempre es bien recibida por la cámara.

Al ver los primeros planos de su hermana seguro que recuerda con nostalgia sus primeros pasos como actriz, que ella daba cada semana bajando las escaleras del plató del mítico Un, dos, tres. Manuel Iborra se fijó en ella y junto a María Adánez y Carlos Vilches engrosó la prole de Pepa y Pepe (Verónica Forqué y Fernando Valverde). Una única temporada le valió el reconocimiento y la plataforma para su primer trabajo cinematográfico, El tiempo de la felicidad. Desde entonces alternó la pantalla grande con algunos papeles más en televisión, de nuevo como hija de Valverde en El comisario, junto a Rosa María Sardá en Las amargas lágrimas de Petra Von Kant e interpretando a la mujer de Miguel Hernández en el largometraje Viento del pueblo.

Consolidada entre los miembros de su generación, Silvia Abascal dejó de ser un rostro conocido por su paso por televisión que se asomaba a las carteleras con largometrajes como La voz de su amo, A mi madre le gustan las mujeres y El Lobo, basado en la vida del agente de los servicios secretos españoles que se introdujo en ETA y donde volvió a compartir cartel con Eduardo Noriega, con el que ya trabajó en La fuente amarilla. El salto internacional le llegó el año pasado cuando compartió escenas con Sofia Loren en The house of the geraniums, pendiente de estreno, y acaba de rodar La dama boba, junto a actores como José Coronado, Verónica Forqué, Macarena Gómez, Antonio Resines y Enrique San Francisco, y con Iborra otra vez como director.

Celebra sus primeros 12 años como actriz también en televisión, reencontrándose con los telespectadores gracias a Vientos de agua, una serie rodada por Juan José Campanella (El hijo de la novia, Luna de Avellaneda) a partir de patrones cinematográficos y, a pesar de que no haya proyectos a la vista, no se olvida del teatro, medio donde más ha disfrutado y en el que debutó hace 4 años con La gaviota de Chejov.

Con tal de apaciguar el gusanillo la pasada temporada se subió a las tablas junto a Luisa Martín en Historia de una vida. Dos interesantes personajes, los de Nina y Lisa Morrison, llenos de aristas pero tan ambiciosos que no entroncan con la filosofía de vida de esta madrileña de 27 años, consciente de que es mejor ir paso a paso que dando zancadas con el consabido riesgo de perder el equilibrio.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Juliette Binoche

2006-01-23T19:11:00.000+01:00

El rostro de esta parisina nacida en 1965 apareció por primera vez en una pantalla de cine allá por el año 1983, gracias a Jean-Luc Godard y su película Yo te saludo María. Tenía 18 años, acababa de salir del Teatro del Conservatorio de París y aún pensaba que se había equivocado al tomar un camino que la alejaba de la pintura.

Dos décadas después de interpretar en La cita, su primer protagonista a las órdenes de André Téchiné, Juliette Binoche está segura de haber tomado la decisión acertada, la que le ha llevado a convertirse en embajadora del cine europeo.

Ahora la podemos ver en los cines en la perturbadora Caché (Escondido). Entregada sin reticencias a Michael Haneke y formando pareja con su compatriota Daniel Auteuil, Binoche ha construido uno de sus personajes más difíciles por todo lo que encierra en su mente. Dice el controvertido cineasta austriaco, responsable de La pianista, que escribió el guión pensando en ellos, y concretamente con Juliette en la cabeza, ya que la experiencia de Código desconocido fue muy satisfactoria.

Firmó esta película sin haber siquiera leído el guión. Pero no es la primera vez que se asocia su nombre a un cineasta de gran prestigio: Krzysztof Kieslowski la convirtió, junto a Irene Jacob y Julie Delpy, en una de sus últimas musas gracias a su colorida trilogía compuesta por Azul, Blanco y Rojo. Confianza plena de ambos, ya que por el polaco renunció a trabajar con Steven Spielberg en Parque Jurásico, en un papel que finalmente fue interpretado por Laura Dern.

Con Carmen Maura coincidió de nuevo a las órdenes de André Téchiné en la coproducción franco-española Alice y Martín. Por aquel entonces, corría el año 1998, su nombre ya era conocido en medio mundo gracias a que Anthony Minghella la reclutó junto a Kristin Scott Thomas, Ralph Fiennes y Willem Dafoe para la épica adaptación al cine de la novela de Michael Ondaatje El paciente inglés. Su papel de enfermera, dividida entre el amor por su trabajo, la curiosidad por su enfermo y el amor hacia un soldado británico experto en desactivar explosivos, fue reconocido con un Oscar de Hollywood a la mejor actriz de reparto. La prensa estadounidense la comparaba con Ingrid Bergman en Por quién doblan las campanas, pero ella estaba en un estado de shock continuo por alzarse con un galardón que todos esperaban que llegase a manos de Lauren Bacall por El amor tiene dos caras, su primera y única candidatura a la estatuilla.

Al igual que buena parte de nuestra actrices europeas que se acercan a Hollywood, la protagonista de las deliciosas Los amantes del Pont Neuf, El húsar sobre el tejado y La viuda de Saint-Pierre también ha caído en las redes del cine que busca ante todo hacer caja. Tras coquetear con Johnny Depp en Chocolat, parece que se equivocó al participar en la última producción de John Boorman, In my country (Un país en África), donde compartía cartel con Samuel L. Jackson, y hay voces que ya apuntan a que tampoco ha sido muy acertada su intervención en Palabras mágicas, compartiendo secuencias con Richard Gere.

Aún así, Juliette Binoche queda como un nombre capaz de combinar sus trabajos en filmes de culto como Caché (Escondido) con propuestas más comerciales, además de agradarnos con papeles curiosos, como el de su colaboración con Abel Ferrara en María, donde encarna a una actriz que hace de María Magdalena en una supuesta superproducción y queda tocada por su personaje, deambulando por Jerusalén en busca de respuestas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

François Ozon

2005-12-17T10:39:00.000+01:00

Hay cineastas jóvenes que tocan todos los palos posibles, un hecho ni siquiera consumado en otros más veteranos al borde de sus últimos días detrás de una cámara. François Ozon pertenece al primer grupo: incansable, provocativo y lleno de retos por superar.

Alejándole de una fama inmerecida como niño mimado del nuevo cine europeo, sus actores coinciden en que deja pocos asuntos al azar en el momento de rodar y es antes, durante los ensayos, cuando se convierte en una esponja que todo lo absorbe. No es un tipo fácil de todos modos, al menos cinematográficamente hablando: la actriz Jeanne Moreau reconoce que debes estar preparado para entrar en su universo, 'pero ir allí es una experiencia maravillosa que deja una marca indeleble'.

A sus 38 años y con 9 largometrajes y un montón de cortos, sería una especie de Michael Winterbottom galo, con un toque más comercial al estilo de Danny Boyle y al que aún no hemos visto demasiado la vena social, aunque si esperamos unos años, le brotará. Él construye sin embargo un catálogo de emociones humanas y vicios confesables como la obsesión, el deseo carnal o la pasión desmedida, convirtiéndose en un moderno escultor del comportamiento sexo-sentimental.

Después de jugar con el crimen y las sospechas al más puro estilo Agatha Christie, rodeado de damas del cine francés en 8 mujeres, dar vueltas a la obcecación en Swimming pool y filosofar sobre las etapas de amor en 5 veces 2, rentabiliza su confortable posicionamiento en la industria gala y se decanta, ahora que puede, por el minimalismo, sin reparar en que su última película pueda gustar a una mayoría.

El tiempo que queda nos remite a la muerte del protagonista, sin miramientos ni lágrimas derrochadas, una idea certera sobre el fin anunciado y los últimos días de un ser, aquí caprichoso y despreciable para mayor reto del cineasta. La historia surgió cuando hace más de 5 años planteó el guión de Bajo la arena, un melodrama nada lastimero acerca del manejo del fallecimiento de un ser querido. Era el inicio de una trilogía sobre el luto, continuada por este intento por controlar la vida ante la propia muerte y que algún día concluirá con un título que tendrá la defunción de un niño como eje central.

Parece que el autor de Sitcom, Los amantes criminales y Gotas de agua sobre piedras calientes va por buen camino, y su forma de narrar la vida con un punto de ironía y desvergonzada actitud cosecha aplausos en Cannes y premios en otros festivales, como el de Valladolid en 2005, donde fue galardonado con la Espiga de Plata al mejor director y logró una más para su actor Melvil Poupaud. Una clara muestra de que François Ozon puede deleitarse al perfilar personajes e historias más sobrias y desnudas, con desconocidos o estrellas de la talla de Charlotte Rampling, y hacer equilibrios sobre la divertida línea del glamour dirigiendo a actrices como Isabelle Huppert, Fanny Ardant y Catherine Deneuve.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Roman Polanski

2005-12-02T07:59:00.000+01:00

Resulta extraño que todavía nadie haya plasmado en un guión la vida de un hombre llamado Roman Liebling. Nacido en París hace 72 años en el seno de una familia judía y criado en Cracovia, vivió en su piel las trágicas consecuencias de la Segunda Guerra Mundial cuando su padre fue trasladado al campo de exterminio de Mauthausen y su madre murió en Auschwitz.

Un drama que tornó en tragicomedia, con más golpes macabros, el más contundente quizás el asesinato de su mujer Sharon Tate, embarazada de 8 meses y medio de su primer hijo, a manos de la secta de Charles Mason, sin olvidar la supuesta implicación en un caso de abuso sexual que le llevó a abandonar los Estados Unidos a finales de los 70 en un intento desesperado por evitar la cárcel. Pero si en lo personal despuntan los puntos oscuros, nadie obvia que no han faltado los momentos de gloria profesional como la impronta legada al cine por medio de títulos como Frenético y ¿Qué?.

Casi medio siglo detrás y delante de las cámaras, Roman Polanski ha desarrollado una variopinta trayectoria como cineasta desde que se desligó de la interpretación, una faceta que le llevo a participar en producciones de teatro, dramáticos de radio y posteriormente en películas. En 1962 vio la luz El cuchillo en el agua: Premio de la Crítica en Cannes y nominada al Oscar a la mejor película extranjera, se convirtió en su visado de entrada a la industria internacional y a una nueva forma de vida, primero en Londres, donde rodó Repulsión –rotundo éxito en la Berlinale de 1965-, y después en Los Ángeles.

El panorama se extendía sin barreras para experimentar, revisitar géneros en principio inamovibles como el de terror y el negro, y consolidar una clara imagen de marca. Su primer gran éxito en Hollywood fue El baile de los vampiros, una curiosa mezcla de terror y comedia que le permitió encontrar financiación para otros proyectos como La semilla del diablo, Macbeth y Chinatown, para muchos su mejor obra.

30 años después y tras un drama que necesitaba narrar, regresa al cine de títulos como Piratas, ese que deben ver padres acompañados de sus hijos. Su mujer, la actriz Emmanuelle Seigner, le recomendó acudir a su biblioteca donde encontró Oliver Twist. Al igual que en el metraje de adaptaciones del papel a la pantalla como Tess (escrita por Thomas Hardy) y La novena puerta (basada en El club Dumas, de Arturo Pérez-Reverte), aquí plasma su visión personal de una obra literaria que tendría tantas versiones en el cine como lectores. Él se imaginó su propio Londres victoriano, y en este escenario perfila las correrías de este chico huérfano, criado en un hospicio y victima de la forma de vida callejera en medio de la miseria y los crímenes de una urbe en expansión.

Consciente de que muchos mirarán con lupa esta enésima adaptación del clásico de Dickens, que suma más de 20, Polanski se afana en que su propuesta sólo persiga hacer pensar al espectador y, si queda en su memoria durante un tiempo, mucho mejor. Consiguió el doble reto con la que él ha definido como su cinta 'más personal y dolorosa', El pianista, por la que logró un Oscar para su actor Adrien Brody y fue reconocido por un otro al mejor director, un galardón que no pudo recoger. Entre sinsabores y más películas como El quimérico inquilino, Lunas de hiel y La muerte y la doncella, Roman Polanski es, sin lugar a dudas, un autor imprescindible en cualquier filmoteca que se precie.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Ingrid Rubio

2005-11-25T08:15:00.000+01:00

Ha pasado ya mucho tiempo, más de 12 años, desde aquel anuncio en el que aseveraba que quería una sopa. La etapa publicitaria se cerró, con ella todo tipo de bromas culinarias, y empezó a construir personajes introspectivos como el de El faro del sur, en el que dio muestras de su vis camaleónica: coja, fumadora empedernida, carácter agrio, marcado acento argentino... Una huérfana que junto a su hermana vagaba sin rumbo en busca de su lugar en el mundo, nada parecida a la mujer que la interpretaba.

Con aquella película de Eduardo Mignogna daba una bofetada a todos aquellos que pensaban que lo suyo era flor de un día, que tanto reconocimiento, Concha de Plata en el Festival de San Sebastián por Taxi (Carlos Saura) y Goya a la Mejor Actriz Revelación por Más allá del jardín (Pedro Olea) quedarían en un recuerdo pasajero.

Tras un rostro amigable al que la cámara quiere se esconde la descerebrada de Más que amor frenesí (Bardem, Menkes y Albacete), la macarra de Haz conmigo lo que quieras (Ramón de España), la idealista reconvertida en terrorista en El viaje de Arián (Eduard Bosch), la guardia civil Virginia Chamorro de El alquimista impaciente (su segunda colaboración con Patricia Ferreira tras Sé quien eres) y hasta siete personajes más en sólo seis años de prolongado acelerón.

Es en el año 2002 cuando pisa el freno, y esta catalana que ahora tiene 31 años se detiene ante el abanico de ofertas. Achero Mañas la reclutó para Noviembre, una experiencia meta-teatral, meta-cinematográfica, acerca de un hipotético grupo de actores que pretende cambiar el mundo, al tiempo que Mario Camus la enviaba a pasear por La playa de los galgos. Dos títulos a un destacado currículum que acompaña con cartas de recomendación firmadas por cineastas como Imanol Uribe y Manuel Gutiérrez Aragón.

Vicente Aranda ha visto en ella a una de las mujeres que entran en la vida del caballero medieval Tirante el Blanco, formando un trío peligroso junto a Esther Nubiola y Leonor Watling. Pero antes de ponerse en la piel de Estefanía, una cortesana en la Constantinopla del siglo XV, cruzó de nuevo el Atlántico agarrada a Julia Solomonoff, actriz debutante en la dirección con Hermanas. En ella Ingrid Rubio nos guía en su visita al drama de los desaparecidos durante la dictadura argentina. Confiesa que es precisamente eso lo que más le gusta de su trabajo: conocer de cerca historias que, de otra manera, pasarían desapercibidas a sus ojos o no se interesaría por ellas con la misma pasión.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Cameron Diaz

2005-11-18T09:49:00.000+01:00

Se dio a conocer como la novia de Jim Carrey en La máscara y ha recorrido el planeta en la piel de uno de Los Ángeles de Charlie. No deja atrás su imponente físico, pero sí ha logrado convencer a todos de que su imagen de niña mona es compatible con las buenas interpretaciones al servicio de cineastas como Martín Scorsese (Gangs of New York) y Spike Jonze (Cómo ser John Malkovich). La protagonista de Algo pasa con Mary ha estado en Madrid para presentar En sus zapatos y demostrar que, como buena actriz que es, no se parece en nada a su personaje frívolo y calculador.

Daniel Galindo: 33 años, fama de consumista, atractiva... ¿Demasiadas coincidencias con su último personaje?
Cameron Diaz: No, pero empatizo con ella en determinados aspectos y momentos de la historia. Un actor debe comprender a su personaje o al menos intentarlo. Maggie evoluciona en el camino que tiene por recorrer, salvando los obstáculos que se presentan, aunque al final predomine el buen rollo por encima del drama inicial. Me atrajo de ella su afición a la bebida, el sexo fácil, el dinero, también fácil, y su interés por denostar su baja autoestima y convertirse en alguien de provecho que, sobre todo, le satisfaga a ella misma.

DG: ¿Qué lección le daría a su personaje?
CD: Sólo una pero muy completa: que se tome la vida con moderación. Fíjate en mí por ejemplo, me encanta la comida, trago sin parar, como mucho, no me niego nada, pero por el contrario soy muy activa: practico deporte, sonrío al mundo y me relaciono bien con quienes me rodean. Y para aquellos como Maggie, que creen que el físico condiciona a un actor o a una persona en general, he de decirles que hay que llegar a la felicidad a través de uno mismo y no sólo por medio de una apariencia externa ideal, es decir, transformar la belleza pasajera en fuerza interior duradera.

DG: Al fin y al cabo es lo que debe hacer un buen intérprete, sacar de dentro una fuerza que además sea convincente.
CD: Todo actor necesita meterse dentro de su personaje y para este de En sus zapatos era esencial explotar la apariencia física. Pero yo consigo mis trabajos por mi capacidad de trabajo, más que por mi físico. Resulta triste que la sociedad actual y por tanto Hollywood, exija a la mujer algo tan poco realista como una permanente belleza y juventud. Me gustó rodar esta cinta, muy diferente a lo que se estrena. Aprende uno muchas cosas con ella y espero que el espectador español también lo haga.

DG: En la ficción tiene como hermana a Toni Collette (La boda de Muriel) y como abuela a Shirley MacLaine (La fuerza del cariño)... ¿cómo fueron los ensayos y el rodaje?
CD: Fueron muy divertidos porque yo tengo una hermana mayor y es curioso que con el personaje de Toni creara una relación totalmente diferente. Si quería mucho a mi hermanita, ahora mucho más, y esta mujer australiana me parece un bombón en todos los sentidos. Con la gran Shirley fue otra cosa, mezcla de admiración e ilusión. Compartí más secuencias con ella, que rebosa vitalidad y está feliz con lo que hace. Sólo deseo algún día llegar a ser como ella.

Entrevista realizada por Daniel Galindo en noviembre de 2005 y publicada en LaNetro.com.

Jodie Foster

2005-11-12T09:37:00.000+01:00

La inolvidable 'niña Coppertone' ha pasado, casi en su totalidad, 35 de sus 42 años al frente a una cámara de cine o televisión. Un auténtico animal cinematográfico.

Rostro popular gracias a producciones de la factoría Disney como Amenaza en la montaña y musicales como Las aventuras de Tom Sawyer, fue Martín Scorsese quien le descubrió su carga erótica, la de sus personajes, al confiarle dos papeles en sendas películas, Alicia ya no vive aquí (1974) y Taxi Driver (1976). Hizo ésta con 14 años y por su personaje de Iris Steensma fue candidata a un Oscar.

La primera vez, porque Jodie Foster se convertiría en una estrella aclamada por todos, una de las más poderosas durante la década de los 90. Valor seguro incluso en las producciones menos apetecibles a priori, esta californiana cuenta en su haber con dos Oscar a la Mejor Actriz: el primero, recogido en 1988 por Acusados (Jonathan Kaplan), y el segundo tras protagonizar junto a Anthony Hopkins la sobrecogedora El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991).

Desde 1994, un año con demasiados rodajes como Nell y Maverick, cumple su firme promesa de protagonizar tan sólo un proyecto ajeno y siempre diferente cada dos años: Contact, Ana y el Rey y La habitación del pánico lo corroboraban. Hasta el momento, porque tras Plan de vuelo: Desaparecida le llegó el guión de Inside Man, escrito y dirigido por Spike Lee, y la excepción se le plantea ahora también con el rodaje de The Brave One. Aún así, Foster se caracteriza por no tener problemas de ego y por ello, sólo cuando quiere, acepta grandes protagonistas y pequeñas intervenciones, cada vez más alejadas de Hollywood, como la que le llevó al París de entreguerras a las órdenes del francés Jean-Pierre Jeunet en Largo domingo de noviazgo.

Los actores aseguran que son los que más saben de los entresijos de un rodaje porque, de todos los que participan en una producción, son ellos los que pasan más tiempo observando delante y detrás de las cámaras. Foster conocía también los mundos de la televisión y la publicidad, conocimientos plasmados en 1991 durante sus primeros pasos como cineasta con El pequeño Tate, ratificados 4 años después con A casa por vacaciones.

Aunque no quiere sacrificar ni un minuto alejada de la infancia de sus dos hijos, todo apunta a que afrontará su tercer largometraje como directora, un drama acerca de la explotación de la mano inmigrante, aunque no olvida llevar a la pantalla su propia visión de la vida de la controvertida cineasta alemana Leni Riefenstahl y un proyecto más personal si cabe, Flora Plum, una historia trágica sobre el mundo del circo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Manuel Alexandre

2005-11-12T09:28:00.000+01:00

Tiene pocos sueños por cumplir y con espíritu crítico reconoce que, en lo profesional, no todo lo que ha hecho le gusta. Su vida está llena de interrupciones y de puertas abiertas: abandonó los estudios de aparejador y Derecho para matricularse en el Real Conservatorio de Arte Dramático aunque más tarde se decantó por el Periodismo, hasta que la Guerra Civil truncó sus planes. Dos cuentos para dos, de Luis Lucía, supuso su primera aparición en la pantalla grande. Desde 1947 ha participado en más de 300 largometrajes y a pesar de que es ahora cuando le llueven los homenajes propios de profesionales apartados por la industria, este madrileño se resiste a cumplir 88 años sin un nuevo título en la carteleras: Elsa & Fred.

Daniel Galindo: El amor es la mejor de las medicinas... ¿Cura todos los males?
Manuel Alexandre: Enamorarse, y en concreto hacerlo a edades avanzadas, permite no sólo volver a ilusionarse por las cosas sino ver los colores con otros matices. Cuando se han ido perdiendo las sensaciones a través de los dolores y los desengaños parece increíble la idea de recobrar la pasión gracias a esos tonos contemplados con otros ojos.

DG: Hemos empezado así la entrevista porque Alfredo, su último personaje, deja las pastillas y se inyecta amor en las venas...
MA: Se trata de un hombre que lleva pocos meses viudo y desde entonces está desanimado. En la película me debato entre el querer y el deber y por eso también tengo que lidiar con mi hija. Un encuentro fortuito con una vecina le hará ver el mundo con otros ojos. ¡Y que vecina! Lo más fácil del mundo ha sido enamorarme de China Zorrilla, a la que agradezco mucho que quisiera hacer este trabajo conmigo. Ella es una gloria y yo sólo un actor español.

DG: Modestia aparte, después de participar en más de 300 producciones de cine –muchas a las órdenes de García Berlanga-, obras de teatro y series de televisión como La Regenta y Los ladrones van a la oficina, le llega un importante protagonista que le lleva a convertirse en un Romeo inesperado.
MA: Fíjate el regalo que me da Marcos Carnevale. Él es uno de los que hacen que me encante mi trabajo: además de pasármelo bien, interactúo con gente con muchas ganas de contar cosas diferentes como este chaval y encima me pagan por ello. Echo de menos no haber interpretado más roles heroicos. Siempre me han dado muchos papelitos cómicos porque me veían simpático... Yo nunca me he sentido así, por lo que tuve que aprender a reír, hablar y sentir como si lo fuera.

DG: Elsa & Fred se ha convertido en un fenómeno de masas en Argentina, pero hasta llegar a eso la cinta supuso su ‘primera vez’ en muchos aspectos, como trabajar con China Zorrilla, un animal escénico que hace unos años presentó en nuestro país Conversaciones con mamá.
MA:China es un auténtico torbellino. Trabajando juntos nos hemos sentido como dos adolescentes de 20 años y tener como hija en la ficción a Blanca Portillo ha sido increíble, ¡qué mujer! ¿De dónde lo saca para estar tan bien siempre? La veo sobre el escenario y me recuerda que añoro hacer más teatro, ya que lo último fueron las representaciones de Tres hombres y un destino, junto a mis queridos José Luis López Vázquez y Agustín González. Guardo un excelente recuerdo de aquellas tardes...

DG: Elsa & Fred aportará muchas enseñanzas sobre la vida a los espectadores, además de una crítica a todos aquellos que consideran que el público joven es el único merecedor de las propuestas de ocio: jóvenes protagonistas en tramas también jóvenes. Ahora sumamos amor y tercera edad y obtenemos como resultado una interesante propuesta.
MA: Ahora todo está dirigido a los jóvenes. En el cine no se ven viejos, no salen. La sociedad nos relega a un segundo plano, limitando nuestras capacidades por culpa de las cifras que te asignan. Y por ello esta cinta me ha revelado que, aunque no estemos de moda, servimos para la interpretación y que no se puede vivir sin amor. Y es que el amor no tiene edad, por eso esta película llega a todo el mundo. La gente debe buscar el amor de los demás y ofrecer el suyo.

Entrevista realizada en noviembre de 2005 por Daniel Galindo y publicada en LaNetro.com.

Hablamos con... Ernesto Alterio

2005-11-05T09:45:00.000+01:00

Al igual que su hermana Malena, se crió entre bastidores, camerinos y rodajes. La vena artística tenía que salirle en algún momento a este bonaerense de 35 años y desde que se le marcó, a comienzos de los 90, no ha dejado de trabajar: Los lobos de Washington, El otro lado de la cama, Incautos, Días de fútbol, etc. Por su forma de hacer comedia, algo innato en él, las cineastas Daniel Fejerman e Inés París (A mi madre le gustan las mujeres) le han confiado el papel protagonista de Semen, una historia de amor.

Daniel Galindo: Te reencuentras con tu padre frente a una cámara después de 12 años, cuando rodasteis a las órdenes de Marcelo Piñeyro Tango feroz: la leyenda de tanguito...
Ernesto Alterio: Y no sabes lo mucho que hemos disfrutado trabajando juntos, jugando a ser padre e hijo que, en serio, es algo que nos toca muy de cerca. Coincido con él en que en plató recreas una serie de códigos familiares que uno no se propone, pero que están muy dentro de nosotros. Además, él es un genio. Y no lo digo porque sea mi padre.

DG: Aseguran Inés París y Daniela Fejerman que escribieron la historia de Semen pensando en ti. Es más, destacan que tu vis cómica es algo innato, aunque muy trabajada.
EA: Son demasiado amables conmigo, creían mucho en mi y asumirlo fue difícil. A pesar de que el guión era en sí una delicia, me costó el proceso de crear el personaje y que tuviera coherencia dentro de esa cantidad de elementos dispares que conforman la historia. Disfruté como un enano a la hora de crear un mundo nuestro y dotar de entereza un lenguaje. No suele pasar mucho que haya tanta afinidad.

DG: Coincidimos con ellas en que resultas gracioso porque te tomas el trabajo en serio.
EA: Pero es que yo no me preocupo de hacer gracia; si resulta divertido bien, pero no me pongo un plus para hacer reír. Y menos en esta historia con tanta implicación de todos: era un trabajo de puesta en común con los departamentos que participan en su concepción, incluyendo vestuario y efectos especiales. Que la interpretación se adecuara a ese universo que se estaba imaginando, era mi principal reto. Todos teníamos que ir en la misma dirección. No suele pasar porque tampoco es fácil: siempre estamos más pendientes de salvar el trabajo individual que el grupal.

DG: Y antes de que acabe el año, de nuevo en una comedia, Los dos lados de la cama, y en la ácida visión sobre la selección de altos ejecutivos de Piñeyro sobre el texto de Jordi Galcerán, El método Gronhölm. ¿Mirada irónica y cruel pero no exenta de humor?
EA: Lo dices porque suelen decir que soy un tipo de papeles graciosos y no dramáticos... Aunque el de El método... tiene tela. No me importa que caigan papeles cómicos, yo los encaro como personajes independientemente del genero en el les enmarquen. Ponerle títulos a las cosas yo creo que las limita. Igual que no hay un solo color, la vida es algo tragicómico, un arco iris. No hay que condicionar un cuento por algo preconcebido. Por ejemplo en Semen sufro mucho, tengo una angustia que me corroe... y no es necesariamente un papel trágico.
Entrevista realizada por Daniel Galindo en julio de 2005 y publicada en LaNetro.com.

Hablamos con... Marta Etura

2005-11-05T09:40:00.000+01:00

Acaba de cumplir 27 años, y su rostro es ya el de la gran actriz en la que se ha convertido. Ha interpretado ya cerca de una decena de títulos entre los que destacan La vida que te espera, Entre vivir y soñar, Para que no me olvides y Frío sol de invierno. Ahora, En pleno año Quijote, no está de más recordar que fue Dulcinea del Toboso en la última adaptación llevada al cine por Manuel Gutiérrez Aragón, con Juan Luis Galiardo como El caballero Don Quijote.

Daniel Galindo: Has terminado de rodar Azul oscuro, casi negro, primer largometraje de Daniel Sánchez Arévalo, autor de cortos como Física II y La culpa del alpinista...
Marta Etura: Creo que Daniel tiene entre manos una historia preciosa, además de ser un excelente y preciso director. Por eso el rodaje ha marchado como la seda: sabe lo que quiere, de qué manera quiere contarlo y tiene muy claro el montaje en la cabeza, con lo cual ha sido un trabajo sencillo, con fluidez, sin perder tiempo y concentrándonos sólo en la historia.

DG: ¿Cómo es la historia que cuenta Daniel?
ME: Narra la vida de un chaval cuyo padre trabaja en la portería de un edificio. A él le va a tocar hacer lo mismo, pero tiene deseos de vivir otra vida y ser más libre. Se trata de la lucha de este chico por no depender de ataduras familiares e itinerarios marcados, por encontrar su propio camino, por el que también deambulan muchos otros personajes, entre los que estoy yo. Es un tío talentoso y con mucha, mucha sensibilidad.

DG: Es cierto que Sánchez Arévalo posee una de las miradas más potentes y prometedoras del nuevo cine español. Pero Marta tampoco se queda atrás, con títulos tan variados como Sin vergüenza, 13 campanadas y La vida de nadie, un buen resumen de tus primeros años en la capital.
ME: Ahora tengo un buen recuerdo de mis primeros años, aunque no creas que fue fácil abandonar mi San Sebastián natal y enfrentarme yo sola, sin mi familia cerca, a los duros comienzos de un actor. Haciendo balance puedo decir que he tenido la suerte de trabajar con buenos maestros y mejores compañeros, como Juan Diego, Emma Vilarasau y Luis Tosar. Y si hablamos de cineastas, no te digo nada más: Manuel Gutiérrez Aragón, Patricia Ferreira, Eduard Cortés, etc.

DG: Y nada más terminar un rodaje comienzas otro, el de Remake, de Roger Gual, responsable junto a Julio Wallowits de Smooking room. ¿Será igual de interesante?
ME: Este verano no me quejo, aunque no pueda ir a la Semana Grande de San Sebastián, porque en cuanto termine en Barcelona me marcharé a Buenos Aires para rodar con Juan José Campanella Vientos de agua. Respecto a lo de Remake, cuando uno está metido en el proceso de elaboración de una película no tiene una percepción muy objetiva y es muy difícil contar algo que a priori parece adecuado. Por lo pronto el reparto es muy completo, con Mercedes Moran, Juan Diego, Silvia Munt... Sólo por eso ya merece la pena estar ahí.
Entrevista realizada por Daniel Galindo en julio de 2005 y publicada en LaNetro.com.

Hablamos con... Natalia Verbeke

2005-11-05T09:34:00.000+01:00

Dos son las películas que ha estrenado este año. Pero aún le queda una más en el tintero. Estuvo toda la temporada pasada junto a Leonardo Sbaraglia en la serie televisiva Al filo de la ley. Durante varios meses se enclaustró en un retiro gimnástico para dar forma y sustancia a su personaje más difícil, el de la boxeadora de A golpes, para entrar después en el peliagudo mundo de la selección de personal de manos de Marcelo Piñeyro y la adaptación cinematográfica de El método Grönholm. El hijo de la novia, Días de fútbol, El juego de la verdad... Esta bonaerense afincada en España desde los 11 años tiene muy claro hacia donde encaminar sus pasos como actriz. De su generación es una de las que más palos distintos ha tocado.

Daniel Galindo: Cine, televisión, musicales... Más de una década bailando y actuando, desde que saliste de la Escuela de Arte Dramático, y creo que este es el primer verano que dedicas a ti misma.
Natalia Verbeke: Por primera vez en muchos años he gozado de mis vacaciones de verano, pero tengo ahí, en la nevera, varias películas a punto de estrenar... Vuelvo con energías renovadas porque aún me queda por hacer muchos personajes, trabajos con directores que todavía no me han dirigido. Me gustan los roles extremos intentando no repetirme, como considero que he ido haciendo hasta ahora.

DG: A tu larga experiencia internacional –teatro en Londres, El punto sobre la i- sumas un nuevo proyecto, el de La tempestad.
NV: Fue un rodaje alucinante en el que compartí planos con actores míticos como Malcom McDowell (La naranja mecánica) y uno de mis actores favoritos, Rutger Hauer, grandioso en Blade Runner. Creo que ha quedado una película redonda, una versión diferente al original que la inspiró, la novela con la que Juan Manuel de Prada consiguió el premio Planeta en 1997. No es exactamente la obra de Juan, aunque se ha respetado su atmósfera gótica y tenebrosa. Un buen ejemplo de thriller, con el visto bueno de su autor literario.

DG: La historia transcurre en Venecia aunque la mayor parte de las secuencias se rodaron en unos enormes estudios situados en Luxemburgo.
NV: Paul Tickell era consciente de las complicaciones de un rodaje en Venecia, por eso nos desplazó hasta ese plató en el que se han recreado escenarios de otras películas como El mercader de Venecia y La joven de la perla. Había actores italianos que se quedaban boquiabiertos al ver la cantidad de detalles en esos decorados ficticios.

DG: Una curiosidad, Natalia: El otro lado de la cama primero fue película y luego saltó a las tablas... Con El método Grönholm ha ocurrido exactamente lo contrario.
NV: La película de Piñeyro está basada en el texto de Jordi Galcerán, pero es bastante distinta a las dos versiones teatrales, con más ironía y dureza. El espectador corre el riesgo de quedar petrificado en la butaca con esta cruda historia con los recursos humanos y las técnicas de selección de personal como telón de fondo. Ojo, los cástings son a veces tan despiadados como cualquier dinámica de grupo o entrevista laboral.

DG: En un cásting uno puede acabar A golpes, pero es mejor darlos sobre el ring...
NV: Es una historia muy impactante que a mí me resultó muy dura. Fue un trabajo intensísimo con el personaje que más me ha marcado emocionalmente, un viaje infernal. Me hacía tanto daño su dolor que estuve durante el rodaje sin relacionarme con nadie, porque el nivel de agresividad emocional era muy fuerte y no me sentía a gusto conmigo misma. Menos mal que tuve la ayuda del director Juan Vicente Córdoba (Aunque tu no lo sepas) y la campeona del mundo de boxeo, María Jesús Rosa, un encanto de mujer y compañera.

Entrevista realizada por Daniel Galindo en junio de 2005 y publicada en LaNetro.com.

Hablamos con... Óscar Jaenada

2005-11-05T09:25:00.000+01:00

Empezó en el teatro aunque pronto desvió su carrera, que en el cine es de signo ascendente, tal y como demostró en Noviembre, de Achero Mañas. Lleva 5 años asomándose a la pantalla pero ya ha sido el macarrilla de XXL, el informático de Somne y el liado protagonista de El juego de la verdad. Iba a trabajar con John Malkovich en la obra de teatro Hysteria cuando se presentó Jaime Chavarri con el proyecto de llevar al cine la vida de José Monge Cruz, Camarón de la Isla: casi ni se lo pensó, y de querer convertirse en Dalí pasó a ser el genio de San Fernando.

Daniel Galindo: Al igual que muchos compañeros de generación reconoce que poco sabía de la impronta del cantaor flamenco, más allá de los flecos informativos básicos, y por eso mismo sorprende su lograda interpretación de Camarón de la Isla...
Óscar Jaenada: Si tuviera que elegir algo del cine me quedo con la fascinación que me produce el descubrir nuevos mundos. Para mí era un reto porque ni soy gitano, ni era admirador de Camarón, ni conocía Cádiz... Una de las pocas cosas que me vuelven loco de este trabajo es la facilidad con que puedo entrar en realidades que hasta entonces me eran ajenas, y sin esta película me hubiera quedado sin conocer muchas, la mayoría apasionantes.

DG: Pero sobre Camarón hay mucho escrito, además de discos y videos, y alguna que otra entrevista en los archivos de RTVE, Canal Sur y la SER... ¿Qué hizo para no agobiarse? ¿Se encerró con ellos durante varios meses?
OJ: Más o menos así fue. Primero me empapé de todo el material posible y luego empecé a interesarme por todo lo que rodea al mundo del flamenco y la sociedad gitana. Pero reconozco que yo aprendo mejor 'in situ' y por eso me fui a Cádiz, por la cosa del acento, y hablé mucho con los que le rodearon en vida. Los 3 meses de preparación y ensayo me sirvieron mucho para el rodaje.

DG: Ha reconocido que si no hubiese tenido miedo al personaje el guión se habría quedado en la papelera, pero que una vez aceptado el reto, siguió con decisión. No debió ser tarea fácil porque la leyenda se va apoderando de la persona y hay pocos o demasiados apoyos, según se mire, a los que podía aferrarse o tropezar con ellos...
OJ: Por eso intenté, desde la humildad, apoderarme de sus miradas, entrar en la piel de Camarón antes de que fuera Camarón, cuando respondía al nombre de José Monge, Joselito. Ahora ya he aparcado al cantaor porque durante mucho tiempo le sentí a mi lado y tuve que ser él durante las 24 horas del día, en caso contrario no hubiese salido como yo quería.

DG: Dos protagonistas interesantes, los de Noviembre (por el que fue candidato a un Goya) y Camarón, y ambos reflejan la rebeldía y una forma de ver el mundo muy concreta y similar...
OJ: Tengo 30 años y soy actor. No concibo nuestro paseo por la vida sin rebeldía y tampoco sin fracaso. En el caso de estas dos experiencias, me siento muy orgulloso porque además considero que los personajes luchan por lo mismo, uno desde las tablas y la calle, escenarios teatrales, y el otro desde la música.

Entrevista realizada por Daniel Galindo en noviembre de 2005 y publicada en LaNetro.com.

Hablamos con... Blanca Portillo

2005-11-04T18:32:00.000+01:00

Más de dos décadas lleva dando la cara sobre las tablas, desde la televisión y a través de la gran pantalla y además, tocando todos los palos del teatro, un amor al que se mantendrá unida siempre que pueda. Como actriz ha interpretado Madre, el drama padre, El matrimonio de Boston... Tampoco olvida el cine, ya que está a punto de estrenar Elsa & Fred, ha participado en la producción más costosa de nuestro cine, el Alatriste de Agustín Díaz Yanes y se estrena como ‘chica Almodóvar’, todo en un año glorioso que inició junto a Jorge Lavelli, el hombre que le ha abierto nuevas perspectivas, más allá de poder interpretar personajes masculinos. De él dice sin pudor que es el mejor del mundo, dónde diga se irá ella detrás. Prueba de ello es que en junio de 2004 no se lo pensó dos veces: dejó una serie de éxito, varios proyectos de cine, una obra como actriz y productora, Como en las mejores familias, y otra como directora, Desorientados. Le propuso hacer La hija del aire y la madrileña cogió las maletas y se marchó sabiendo que si al espectador argentino no les gustas te machaca y regresó, más madura, con más vitalidad y con el aplauso de la crítica, el público y los compañeros de profesión, casi acabó tocando el cielo. Allí, y en España, donde ha conseguido casi todos los premios posibles por su reciente aventura teatral.

Daniel Galindo: El de la Unión de Actores a la mejor interpretación femenina, un premio más por tu impresionante trabajo en La hija del aire, una obra que marca un punto y seguido en tu vida profesional y personal. Hace ahora un año comenzó esta aventura que tantas satisfacciones te ha dado...
Blanca Portillo: Me fui un día 9 de junio para Argentina, justo acababa de terminar en el plató de 7 vidas y llegué a Buenos Aires a las 7 de la mañana.10 horas después ya estaba ensayando con Lavelli. Fíjate que me vino muy bien esa rapidez porque no hubo tiempo para pensarlo demasiado. Dejar la serie fue triste, muy doloroso, porque las cosas cuando te hacen feliz cuesta abandonarlas, pero también empezaba una nueva experiencia, un cambio brutal.

DG: Habías estado en Buenos Aires 20 años atrás y llegabas para quedarte durante 6 meses como cabeza de cartel del Teatro General San Martín, un complejo escénico repartido por toda la ciudad, envidia de los amantes de las tablas.
BP: Nada más salir de la Escuela de Arte Dramático me fui con José Luis Gómez a representar Bodas de Sangre por todo el mundo. Había trabajado justo en ese lugar y tuve un camerino muy cerca del que luego ocupé. Me sentí muy viva debido al aluvión de sensaciones tan fuerte al visitar las mismas calles, como Corrientes, los mismos espacios... Era como si se hubiese detenido el tiempo y fue un shock importante. Al día siguiente abrí la ventana de mi apartamento, en el barrio de la Recoleta, vi aquel paisaje urbano y me dije ¿qué haces a 13.000 kilómetros de Madrid? Vamos, un recuerdo para toda la vida.

DG: Y un recuerdo marcado a fuego por tu relación con un equipo de actores y técnicos argentinos, para los que eras ‘la gallega’, y por el mano a mano con el dramaturgo y director de escena Jorge Lavelli.
BP: Nos conocimos en los 90, cuando vino a montar Eslavos, un texto de Tony Kushner. Allí nos conocimos y yo me enamoré profundamente de él. Sacó de mi lo que no había sacado ningún director, ninguno. Me lo puso muy difícil y me hizo enfrentarme a mis limitaciones y a partir de ahí se fue cimentando una amistad, de verdad. Luego en el año 2000 surgió la posibilidad de levantar La hija... dentro del centenario de Calderón de la Barca, un intento frustrado por cuestiones que tienen que ver con la política cultural del momento, pero a los 2 se nos quedó en la cabeza recuperar a Semíramis, a Nínias y a todos los demás.

DG: Y tras la resaca calderoniana, primero en Buenos Aires y luego en el Español de Madrid, con 20 funciones a teatro completo, aceptaste el órdago lanzado por Animalario con Hamelin, una dura crítica al mundo de la pederastia y la pornografía infantil.
BP: Siempre le estaré agradecida a Mario Gas y al equipo de ese recinto rejuvenecido por permitir mostrar parte de mi sueño a mis amigos españoles. Y después, entre el rodaje de Alatriste y los ensayos de Volver, aparecieron Andrés Lima, el genial texto de Juan Mayorga y los demás actores, y cerramos temporada en La Abadía con uno de los trabajos más comprometidos y concienzudos que he hecho. Si no la visteis, estaremos con ella de gira en otoño.

DG: Y de aquí a septiembre...
BP: Por suerte, mucho trabajo. Rodar con Almodóvar que, te guste o no, es el creador vivo más grande de nuestro país, trabajar con actrices a las que admiro como Carmen Maura, compartir secuencias con Chus Lampreave, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Carmen Machi... Y después, de nuevo con mi querido Lavelli en el María Guerrero, haremos Mario Gas y yo un texto de Steven Berkoff, Decadencia. Será el tercer trabajo con Lavelli y espero que no el último.

Entrevista realizada por Daniel Galindo en junio de 2005 y publicada en LaNetro.com.

Carmen Maura

2005-11-04T18:03:00.000+01:00

Carmen Maura es la actriz española más reconocida en Europa. Al otro lado de los Pirineos, con permiso de Victoria Abril y Sergi López, está considerada maestra del celuloide y en España se venera cada uno de sus trabajos sin olvidar su faceta como pionera de un hipotético 'star system' ibérico. Con una agenda repleta que incluye la promoción de películas aún por estrenar y las que tiene por filmar a lo largo de todo el Mediterráneo, Maura cumple de forma estricta su más reciente plan de rodaje, el de Reinas, a las órdenes de Manuel Gómez Pereira.

Su experiencia, dilatada y exitosa, le permite elegir los papeles -‘he currado mucho para ello’-. Más allá de conseguir fama y dinero por taquillazos prefiere divertirse en cada rodaje y conocer nuevos países ya que en este oficio la técnica es igual en todas partes. Se refleja en sus últimos largometrajes: el rodaje argentino de El sueño de Valentín, el belga de 25 grados en invierno y el gallego de La promesa.

Sus primeros contactos con la interpretación llegaron gracias al teatro aunque a comienzos de los ochenta ya había rodado alrededor de 25 películas. Después llegarían los programas de televisión con Fernando García Tola y mucho cine -Saura, Camus, Gutiérrez Aragón- aplaudido por el Ministerio de Cultura con la concesión de Premio Nacional de Cinematografia en 1988. Cinco años más tarde instauró su propio puente aéreo entre Madrid y París y desde entonces no ha faltado a su compromiso no-escrito de hacer 2 ó 3 cintas al año en la industria gala.

Siente predilección por los directores noveles que se ilusionan con su primera película. Su experiencia con uno de sus admiradores incondicionales, Stéphane Vuillet en 25 grados en invierno le ha recordado sus primeros trabajos que fueron también los iniciáticos de Pedro Almodóvar, Fernando Colomo y muchos otros, ‘al menos esos cineastas nunca te olvidarán’.

Directores de cine o no, pocos pasan por alto el trabajo de la protagonista de La comunidad, Sombras en una batalla y ¡Ay, Carmela! La mujer que hace tiempo decidió no emprender una lucha por estar joven confiesa con orgullo su proximidad a los 60 y cierto es que a su edad aún tienen que caracterizarla a la hora de dar vida a sus peculiares abuelitas... Carmen Maura sobrelleva con humor ácido e inteligencia la frenética actividad laboral que de vez en cuando le regala inyecciones de ilusión en forma de proyectos de cineastas como Alex de la Iglesia o Alfonso Albacete y David Menkes.

Ellos le sirvieron en bandeja una comedia a medio camino entre Francia y España, Entre vivir y soñar, con la que quiere retomar una imagen más alejada del drama y mucho mejor si encuentra un guión para compartir con Ana Fernández, con la que tiene una enorme complicidad antes incluso de trabajar juntas en La promesa donde da vida a una enferma mental curiosamente en uno de sus primeros papeles de mala.

Finalizado el rodaje de la esperadísima "Volver" en su punto de mira aparece de nuevo un rodaje internacional: tiene que preparar las maletas y volar hasta Estambul donde interpretará en un idioma desconocido para ella... Así es Carmen Maura, la que se regodea al afirmar que no le atrae Estados Unidos ni los macroproyectos de cine cuando parece que quien no triunfa en Holywood no tiene un nombre. Reconoce que eso pueda deberse a que cuando fue a Los Ángeles con Mujeres al borde... sintió que la ciudad era horrible porque hay que ir en coche a todas partes y ella prefiere andar. Así que hasta que no cambie la concepción urbanística dice no a la meca del cine, aunque a decir verdad, ni falta que le hace.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

George Clooney

2005-11-04T17:45:00.000+01:00

Actor, director... George Clooney está a dos bandas... ¿Quieres saber porqué?

Sexy, divertido y muy listo: a los Coen les permite la licencia de jugar con él en O Brother! y Crueldad intolerable, experimenta en la industria desde su laboratorio creado con el director de cintas como Traffic y Erin Borkovich y considera que no es justo que le comparen con Cary Grant ‘ya que no está aquí para defenderse’.

George Clooney debutó como realizador con Confesiones de una mente peligrosa, primera piedra de su cine inteligente a medio camino entre el clásico irónico y la comedia gamberra. El adjetivo polifacético le queda corto: productor con ojo, director primerizo y prometedor y actor de un catálogo de joyitas (y algún que otro desacierto) como Abierto hasta el amanecer, Batman & Robin, Un romance muy peligroso y Tres reyes, sátira sobre la primera guerra en Irak que no se cansa de recomendar.

Mucho antes se paseaba por la televisión, primero Roseanne y Hermanas, luego ER: mucho le debe al pediatra Douglas Ross ‘Doc’, el papel de la serie Urgencias con el que optó en dos ocasiones al Premio Emmy y le convirtió en uno de los personajes más valorados de la pequeña pantalla.

Tocado por el mundo de la comunicación y la interpretación, George Timothy bebió de todo ello en su propia casa antes de pasar por clases de radio en la universidad y hacer teatro de aficionado: su padre Nick, periodista televisivo, su madre Nina, belleza consagrada (Miss Kentucky) metida a política, y por si fuera poco sobrino de Rosemary Clooney, conocida cantante de jazz y country, y del portorriqueño José Ferrer, Oscar en 1950 por Cyrano de Bergerac.

Portada de las revistas Vanity Fair y People, que le consideran uno de los hombres más atractivos del globo, Clooney se mantiene realista ante la aparición de las primeras señales de la edad. Se toma con sentido del humor sus canas y michelines: ‘con la madurez llegará el reconocimiento o no, como actor y creador, ya sin la tarjeta de visita que supone un buen físico’.

Última de las grandes estrellas de Hollywood en colocarse detrás de la cámara, en su nueva tarea ha estado bien asesorado por sus amigos Robert Rodríguez, Quentin Tarantino, los hermanos Ethan y Joel Coen y sobre todo por Steven Sodenbergh junto al que, con mucho olfato, montó una factoría cinematográfica de la que ha salido Solaris, Ocean’s Eleven y Ocean´s Twelve, segunda parte de la película de ladrones que en 2001 reunió a rostros y cuerpos tan deseados como los de Julia Roberts, Andy García y Brad Pitt.

En su salto a la dirección no olvida Clooney los trabajos de aquellos a los que cataloga como maestros, los que hicieron un cine crítico en la década de los 70: Martín Scorcese, Francis Ford Coppola y Robert Altman. ¿Influido por otros? No lo niega, al tiempo que tampoco deja de mirar al espionaje retratado por Mike Nichols, Sydney Lumet o Stanley Kubrick,

Vierte todo lo aprendido en Confesiones de una mente peligrosa, proyecto querido por muchos en la industria y aún más por Clooney: la historia le fascinaba al evocar el poder de la televisión y le permitía jugar con actores solventes y amigos. En su reto a la industria con películas como está también incluye Leatherheads, la comedia que dirigirá acerca de los orígenes profesionales del fútbol americano.

Activista comprometido, Clooney aprovecha su fama para apoyar campañas de prevención de enfermedades coronarias y arremeter contra la política exterior de Bush. Arnold Schwazenegger, actual gobernador de California, es uno de sus mejores amigos aunque no por ello le daría su voto, algo que iría en contra de su ideología liberal... ¿Quién dijo que los guapos son tontos?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Sergi López

2005-11-04T17:36:00.000+01:00

Nadie obvia que antes de Luis Tosar en Te doy mis ojos otro actor había buceado en las entrañas de un personaje que maltrataba a su mujer haciendo de la convivencia un infierno de miedos y violencia. Sergi López participó hace más de 3 años en Sólo mía (Javier Balaguer) la primera cinta que abordaba sin vendas en los ojos el tema de los malos tratos. Y precisamente fue la última producción que rodó en España.

El hombre que tiene la sensación de estar viviendo la mejor etapa de su vida nació hace 39 años en Vilanova i la Geltrú (Barcelona). Nunca imaginó que seria uno de los intérpretes más reconocidos en Francia y mucho menos que jamás perdería el aire campechano y simpático que hace de él no sólo buen actor sino mejor persona. Sin perder la sencillez nos habla de sus próximos estrenos.

Daniel Galindo: Tenías al espectador español algo olvidado: Hombres felices, Sólo mía y El cielo abierto fueron tus últimas apuestas nacionales...
Sergi López: Sin que suene prepotente y consciente de que tengo mucha suerte, me siento privilegiado porque el noventa por ciento de los que están en nuestro oficio no pueden vivir de esto. No me puedo quejar y por azar o porque gusto a los directores tengo que decir que trabajo no me falta. Y es curioso por que lo que últimamente había escogido en España no salía o lo que me ofrecían coincidía con rodajes al otro lado de los Pirineos. Lo que de verdad no tengo es interés en no actuar aqui, todo lo contrario...

DG: Te volvemos ver en una película realmente diferente, Janis & John, protagonizada junto a la malograda Marie Trintignant.
SL: Los recuerdos son fantásticos a pesar de cómo acabó la pobre Marie... Fue un rodaje extremadamente divertido: el guión requería ese punto cómico, los diálogos eran muy graciosos, los personajes estaban bien dibujados y había mucho jugo que extraer de ellos. Desde un principio estaba concebida por un núcleo de gente que se conocía bien incluso con lazos familiares entre ellos, y todos los que estábamos alli teníamos ganas de hacer una película con Samuel Benchetrit: confiábamos en él por lo mucho que tiene que decir a pesar de su juventud.

DG: Hablando de confianza mutua hace un par de años estrenaste La curva de la felicidad, séptima colaboración con tu amigo Manuel Poirier. A los dos os llegó el reconocimiento con Western y esa relación iniciada en 1991 vuelve a darnos otro fruto que veremos muy pronto en España. Además aseguran que ayudais a crear durante el proceso de rodaje un ambiente único.
SL: Es una nueva adaptación del libro Carreteras secundarias que ya protagonizaron aqui Antonio Resines, Miriam Díaz Aroca y Maribel Verdú... No te engaño si te digo que se trata de algo muy diferente partiendo del mismo argumento, es una versión muy Poirier. Él es un tio muy especial que convierte el rodaje en algo mágico: yo empecé a trabajar con él y luego descubrí que en el resto de la industria todo se hacía de forma distinta... En un mundo lleno de convenciones rompe con aquellas que no le sirven a la historia.

DG: También especial, por circunstancias muy diferentes, fue la experiencia a las órdenes de Stephen Frears en Dirty pretty things, con Audrey Tatou (Amelie) y en un idioma que desconocías por completo. Parece que la película, después de estrenarse en medio mundo, al fin llega a nuestras pantallas.
SL: Tenemos un morro que nos lo pisamos... Fíjate que me preguntó Frears que si sabía inglés y yo le dije que no, pero que si él quería podia rodar en inglés y supongo que hasta en rumano si logro aprenderme el texto. Ya me había pasado con el francés: empecé a filmar y no lo dominaba y creo que en cierta manera eso de trabajar en un idioma que no es el tuyo te libera ya que no tienes más remedio que interpretar para llegar a la verdad del personaje que es mi único objetivo.

Entrevista realizada por Daniel Galindo en junio de 2004 y publicada en LaNetro.com.

Antonio Banderas

2005-10-28T07:51:00.000+02:00

Casualidades y causalidades imperan en nuestra vida y desde luego también en la de este malagueño de 45 años que hace más de 20 que dejó atrás su ciudad avanzando por el camino de los ingleses y es ese mismo trayecto, ahora con forma de libro, el que le lleva de vuelta a sus orígenes.

El que rodó en 1982 Laberinto de pasiones a las órdenes de Almodóvar es el mismo que una década más tarde llegaba a Los Ángeles ‘con una mano delante y otra detrás’. Hoy nadie le discute como uno de los actores más versátiles y queridos por los productores: se ha metido en la cama y ha cantado con Madonna (Evita), fue David Alfaro Siqueiros para la Frida de Salma Hayek, también Pancho Villa y en su currículo encontramos papeles de chupasangre (Entrevista con el vampiro) y hasta de sacerdote investigador (The Body).

Dice que se mantiene activo porque conserva como un legado el nerviosismo que le produjo salir por primera vez a un escenario en América: 150 minutos interpretando en ingles y cantar 14 canciones en Broadway con Nine ratificaron su idea de que estaba en el mundo artístico por el teatro, al que quiere impulsar con la creación en Málaga de una fundación con tres salas en antiguos terrenos portuarios que pronto verá la luz. Sabe exprimir su combinación de carisma y profesionalidad y desde hace años le llaman los estudios de animación de un país al que llegó sin dominar bien su idioma. Motivo de orgullo porque afirman que poner voz a un personaje de diseño es un trabajo de perfección y gustó tanto en la segunda entrega de Shrek que estará en la tercera y ya ha escrito en su agenda el proyecto de llevar a la pantalla la historia del Gato con botas: el asesino de ogros.

Regresa a la dualidad Alejandro de la Vega-El Zorro junto a su amiga Catherine Zeta-Jones, con quien se hizo estrella en Hollywood. 7 años después de recibir la máscara de manos de Anthony Hopkins demuestra hasta qué punto es merecedor del cargo de espadachín en La leyenda del Zorro, su nueva colaboración con Martín Campbell y Steven Spielberg, quienes le han permitido introducir picaresca e ironía en la que seguro no será la última entrega con las aventuras de un personaje al que siente especial apego: fue el primero con el que escaló los puestos altos de taquilla en el mundo pero mucho antes, cuando era niño, disfrutaba con sus andanzas y cada vez que salía a lomos de Tornado, él y sus amigos pateaban el suelo de madera del antiguo cine Echegaray. Volviendo a las causalidades, es probable que en un futuro no muy lejano haga temblar de nuevo no ya el patio de butacas sino el escenario de un viejo cine que va camino de ser teatro.

Pero su próxima cita con Málaga tiene que ver con otro asunto, el rodaje de su segunda cinta como director. Basada en la novela homónima de Antonio Soler, El camino de los ingleses (Premio Nadal 2004) tendrá a muchos actores andaluces desconocidos, uno de sus compromisos con la cultura y los profesionales de la tierra que abandonó cuando soñaba con hacer películas en Madrid el que acabó protagonizando los sueños de millones de espectadores gracias a producciones de Hollywood como El guerrero nº 13 y Spy kids.

A pesar de que se mantiene lúcido de vez en cuando fantasea: si para afrontar esta nueva empresa tuviera en sus manos una parte de la cuenta que Columbia gastará en la publicidad de La leyenda del Zorro, otro gallo cantaría... Sin grandes estudios que respalden la propuesta, sólo tiene el aval crítico de su anterior y primera producción, Locos en Alabama y de su productora Green Moon, el guión del propio autor de la novela y la esperanza de que un trío de Antonios (el tercero es Meliveo, productor y músico) trabajen en la película de sus vidas a pesar de ser tres chicos que empiezan a hacer cine en Málaga, tarea para la que cuentan con la ayuda de Victoria Abril y Juan Diego.

Entre los meses de noviembre y febrero ha reservado seis semanas para disfrutar de una experiencia que le está permitiendo redescubrir su historia a través de rincones y espera sorprender incluso a los que tienen un recuerdo nostálgico de una ciudad en la que no había centros comerciales sino grandes almacenes y contaba con una de las mayores tasas de salas de cine por habitante. Todo ha cambiado y Banderas pretende conectar con los jóvenes de hoy, los hijos de los de su generación, esa que ve representada en Amadeo Nunni el Babirusa, Paco Frontón, la Cuerpo... aquellos que vivieron el último verano de sus vidas, el que se fue en 1978 anticipando el vacío de la madurez y el encuentro con el sexo, el amor e incluso la violencia. Y entre ellos, Miguelito Dávila, un personaje que quiere ser poeta, que quiere escapar de su realidad y que guarda similitudes con el Antonio Banderas de aquellos años.

Tras su anhelado rodaje, espera hacer una película más como actor (Memorias de Adriano), promocionar las que aún tiene pendientes de estreno (Take the lead y Bordertown, junto a Jennifer López) y marchar de nuevo a Broadway a representar Don Juan DeMarco. El musical, un regalo merecido con el que celebraría que hace más de 3 décadas pisó por primera vez un escenario.

Texto escrito por Daniel Galindo. Extracto publicado en LaNetro.com.

Brad Pitt

2005-10-27T15:46:00.000+02:00

Entrado en los 40 Brad Pitt ha dejado de ser el idealista protagonista de Leyendas de pasión, la película que 4 años después de los 15 minutos junto a Thelma y Louise, le lanzó a la fama... Comenzaban los 90, años en los que alternaba sus primeros pasos como actor con su interés por el rock y todo su mundo.

Desde entonces el actor que iba para periodista o publicista –no lo tenía muy claro- no ha dejado de cosechar éxitos de taquilla –The mexican y ¿Conoces a Joe Black? son dos buenos ejemplos- y algún que otro descalabro por culpa de la crítica como Siete años en el Tibet.

Con 22 años, en 1986, se marchó a Los Ángeles ‘a probar suerte’ y la tuvo aunque primero se convirtió en actor episódico en series como Dallas, Los problemas crecen y Treinta y tantos. Rodó a las órdenes de Robert Reford El río de la vida y Terry Gilliam le proporcionó el visado para conseguir una nominación al Oscar por 12 monos. Sin lugar a dudas ese año, 1995, fue el suyo al encadenar Entrevista con el vampiro, Leyendas de pasión, Seven y Sleepers. Tenía a sus anchas espaldas otras películas como Kalifornia y Amor a quemarropa y aún tendrían que llegar La sombra del diablo, Cerdos y diamantes y Juego de espías, sin olvidar una de las últimas superproducciones de Hollywood, Troya.

Reconoce que la edad le confiere otros puntos de vista que antes simplemente obviaba. Ahora se ve más maduro e incluso hace gala de su compromiso social con la pobreza en África (siendo un fiel aliado de Bono, de U2), defensor del medio ambiente y los derechos civiles, luchando contra el conservadurismo político. Este es otro de los aspectos que le vinculan con su última compañera de reparto, Angelina Jolie, que por poco se cae de la cinta que ahora estrena en nuestro país el actor que desconocía el activismo ideológico hace relativamente poco.

A punto estuvo de formar pareja con Nicole Kidman en Sr. y Sra. Smith e incluso antes vio peligrar su papel cuando, tras un momento de dudas, se lo ofrecieron a Will Smith y Johnny Depp. Forma parte del elitista club presidido por Steven Soderbergh y George Clooney, responsable del remake Ocean´s Eleven y su secuela, Ocean´s Twelve, en la que participan otros miembros del selecto grupo como Andy García, Julia Roberts y Catherine Zeta Jones. Es curioso que con ninguna de ellas le hayan atribuido romances como el que supuestamente le empareja ahora a la actriz Angelina Jolie... Cosas del marketing.

Rumores a un lado, Brad Pitt participa en el rodaje de Babel, a las órdenes de Alejandro González-Iñárritu y junto a la australiana Cate Blanchett (El Señor de los Anillos), una historia que el actor ve como la tercer entrega de la saga iniciada por Amores perros y seguida de 21 gramos. Después de ese puzzle formado por 4 historias narradas por medio de 5 lenguas distintas se prepara para encarnar a Jesse James en un western con profundo calado psicológico mientras ultima La curiosa historia de Benjamín Button, de David Fincher (Alien 3, Seven, El club de la lucha).

Y sigue produciendo películas más o menos modestas e historias diferentes como Charlie y la fábrica de chocolate y descubriendo nuevos directores a través de la productora Plan B, de la que es propietario junto a su ex mujer Jennifer Aniston. Al que califican como el hombre vivo más sexy del mundo sigue dando muestras de que piensa más con la cabeza y el corazón que con el bolsillo aunque la verdad es que lo tiene lleno.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Tim Burton

2005-10-27T15:40:00.000+02:00

No se lo pensó dos veces cuando le ofrecieron la oportunidad de sumergirse de nuevo en el universo literario de Roald Dahl, autor de obras como "Matilda" y "Las brujas". La experiencia animada de "James y el melocotón gigante" le supo a poco y desde siempre le ensimismó el reto de enfrentarse a una nueva adaptación de un clásico como "Charlie y la fábrica de chocolate", escrito en 1964 y del que se han vendido más de 13 millones de ejemplares.

Mel Stuart realizó en 1971 "Willy Wonka y la fábrica de chocolate", una incursión en el terreno musical que a muchos dejó indiferentes. Con su capacidad para dotar de entereza y credibilidad mundos fantásticos y fábulas contemporáneas, Burton sólo tenía claro que si se hacía cargo de la nueva versión tenía que reparar en cada detalle: el mundo existente tras los muros de la gran fábrica, la ambientación de la destartalada casa de los Bucket y la recreación con pinceladas de las microhistorias o condenas que protagonizan los 4 compañeros caprichosos de Charlie.

Poseedor de un estilo personal y ciertamente arriesgado, el californiano es uno de los niños malos de Hollywood que recibe los mimos de la industria porque, a pesar de su excentricidad, que no es sino disconformidad ante lo establecido, convierte en oro todo lo que guioniza y dirige. La factoría Disney le dejó escapar después de becarle para un programa que le permitió trabajar en los propios estudios de animación, donde dibujaró las aventuras de "Tod y Toby". Pero la filosofía impuesta y los patrones chocaban con sus ansias como creador.

El cortometraje "Vincent", apoyado por los propios estudios de Walt Disney, le abriría las puertas de la dirección de largometrajes y "Bitelchus" y "Eduardo Manostijeras" inauguraron la senda por la que discurriría su cine, influido por la literatura fantástica del XIX y Edgar Alan Poe ("Pesadilla antes de Navidad"), la ciencia ficción de serie B ("Ed Wood", "Mars attack") y el amor por el cine grosso modo.

Sus cuentos audiovisuales, unos góticos, otros coloridos y la mayoría agridulces, destacan por constituir la filmografía ideal de todo cineasta y preparémonos porque sólo lleva un cuarto de siglo dedicado por entero a la profesión, 25 años que han dado para mucho.

Si hay algo que destacan de él es que Tim Burton hace equipo cuando se pone detrás de la cámara. Ahí tenemos por ejemplo Eduardo Manostijeras, Ed Wood y Sleepy Hollow, 3 títulos que además de Charlie... corroboran la buena pareja que hace con Johnny Depp y lo mejor de todo es que lo consiente su mujer, la también actriz Helena Bonham Carter, con la que lleva rodados El planeta de los simios, la encantadora Big Fish y la película que hace las delicias de la gran factoría del chocolate que es Nestlé.

A la espera de revolucionar los cementerios con La novia cadáver, una jugosa historia de animación fantasmagórica a juzgar por su adelanto previo a la proyección de "Charlie..." Tim Burton nos invita a comer mucho chocolate y a ir al cine, una aventura apasionante porque... ¿quién sabe si el cineasta, a la manera de Wonka, no ha camuflado un pasaporte dorado en alguna de las entradas?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com con motivo del estreno en España de "Charlie y la fábrica de chocolate".

Ken Loach

2005-10-24T09:04:00.000+02:00

Para que cambiar de rumbo si el resultado gusta siempre: lo cotidiano, lo natural, lo comprometido... Ken Loach se mantiene fiel a su tónica de reflejar en su cine las injusticias sociales y hacer mella en las conciencias de sus incondicionales.

Iba para ejercer la carrera de Derecho pero se alejó de los tribunales y se dedicó a salvaguardar la identidad de los más indefensos primero desde el teatro, luego a través del documental televisivo y finalmente desde la ficción cinematográfica.

En su último largometraje mira hacia la intolerancia entre integristas religiosos, fieles católicos y musulmanes que más que convivir agravan una situación que debe cambiar gracias a futuras generaciones que fomenten la mezcla entre culturas. Loach pone en práctica su teoría en "Sólo un beso" (Ae fond kiss), que tiene como punto de partida un poema escocés que narra una conflictiva historia de amor bajo la presión del mundo exterior a la pareja.

El enfoque social ha dominado en toda su filmografía: enfrentamientos en un mismo bando durante la Guerra civil española ("Tierra y libertad"), las consecuencias de la privatización de los ferrocarriles británicos ("La cuadrilla") y la situación de los inmigrantes en un ambiente hostil ("Pan y Rosas"). A sus 66 años considera que no existen en el mundo diferencias insalvables si hay ganas de un cambio: ‘las desigualdades sociales son problemáticas y es hora de que Europa deje de enjuiciar otras religiones y costumbres’.

Su brazo derecho es Paul Liberty, compañero sentimental de la actriz y directora Icíar Bollaín. Él se encarga habitualmente de la escritura de guión (este es el quinto) bajo la atenta supervisión de un cineasta que rueda sin grandes artificios, secuencia a secuencia y casi sin ensayos previos, para preservar la naturalidad, obsesionado con llevar a imágenes personajes reales absorbidos por la vida ordinaria con situaciones que evolucionan.

Y el intento por reflejar la verdad de los protagonistas lleva implícito el cuidado del lenguaje y la preservación de la especificidad de los idiomas, lo que ha obligado a subtitular en Estados Unidos algunas de sus películas debido al acento de sus actores. El escocés domina por ejemplo en Sólo un beso con la que cierra la trilogía dedicada a la vida diaria en zonas humildes de su país de origen, tras "Mi nombre es Joe" y "Felices dieciséis".

Entre sus planes de futuro destaca la realización de una versión europea de "Fahrenheit 9/11", un documental que podría llevar el título de "Mentirosos y tramposos" (el extinto triunvirato formado por Blair, Berlusconi y Aznar tiene todas las de perder). El documental pondría en entredicho la labor política y social de los grandes mandatarios del viejo continente. Comprometido con la causa, su militancia política va más allá de la sala de cine, reuniendo en su partido a laboristas desencantados, ecologistas y militantes de la izquierda.

Crítico con el clima político contemporáneo, también lo es con el panorama cinematográfico actual y prueba de ello es que durante la pasada Seminci de Valladolid de 2004 el realizador hablaba en voz alta acerca de sus miedos, por ejemplo que el cine europeo pierda su espacio en beneficio del realizado en EE.UU. Para hacer frente a esta realidad Loach se muestra incondicional del sistema basado en la coproducción (en su último largo participa entre otras la española Tornasol) que le ha permitido atesorar títulos de ficción basados en hechos reales como "Lloviendo piedras", "Riff, Raff" y "Ladybird, Ladybird".

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Audrey Tautou

2005-10-24T08:59:00.000+02:00

La francesa con aspecto de niña buena Audrey Tautou se aparta de su línea y hace tándem cinematográfico con Tom Hanks en la última superproducción de Hollywood, "El código Da Vinci".

Su personaje de Mathilde en "Largo domingo de noviazgo" asegura que su vida es una constante condicional y que sin ese ‘si’ persistente que le alarga la existencia ya se hubiese suicidado. Audrey Tautou no será tan extremista en su vida real pero es consciente de que no estaría ahí si el destino no le hubiese deparado el aval de haber protagonizado la película más popular del cine galo reciente.

Pocos saben que Audrey Tautou y Londres están íntimamente ligados. Quizás ni la propia actriz, que le debe mucho a su colega Emily Watson ("Rompiendo las olas"), lo valore. ¿Se imagina una Amélie con acento ingles corriendo por las escalinatas de la catedral de San Pablo en lugar de hacerlos por las calles de Montmartre y el Sagrado Corazón parisino? Jean-Pierre Jeunet escribió "Le fabuleux destin d'Amélie Poulain" en el idioma de Shakespeare y cuando parecía que Watson iba a tirar piedrecitas al Támesis en lugar de hacerlo al Canal de San Martín, la británica se desvinculó del proyecto. Sólo le bastó un encuentro de 3 minutos para que Jeunet dijera ‘Audrey será nuestra Amélie’.

Otro indicio de la conexión londinense: nada más terminar la promoción de "Amélie", el hada buena que le abrió tantas puertas, se marchó a la capital inglesa donde rodó a las órdenes de Stephen Frears "Negocios ocultos", apenas en un inglés básico, con acento turco y sólo mejor que el de su compañero Sergi López. Historia sobre inmigrantes que explotan a otros ciudadanos en la gran ciudad, retratada por el Frears que volvía al cine sus orígenes, con películas como "Mi hermosa lavandería".

A ella no le ocurrió lo mismo, no la explotaron cuando con 17 años se marchó a París a probar suerte en el mundo de la interpretación. Con 21 años y después de varios trabajos en series de televisión participó en "Venus, Salón de Belleza", película que le supondría el reconocimiento de los académicos franceses en forma de César á la Mejor Actriz Revelación. Luego rodaría "El libertino". Es entonces cuando el círculo se cierra, con la aparición en su vida de un cineasta que destacaba por tener un universo peculiar ("Delicatessen", "La ciudad de los niños perdidos").

Los 2 trabajos hechos a las órdenes de Jean-Pierre Jeunet mantienen muchos rasgos similares: Amélie y Mathilde tienen ese grado de candidez que les permite ver más allá de lo que el resto de los mortales pueden percibir. Pone Tautou su carita de niña buena, con el toque de tozudez que le caracteriza en "Amélie", donde perseguía hacer el bien, y el de "Largo domingo de noviazgo", que le impide creer que su novio ha desaparecido en el frente de Verdun durante la Gran Guerra.

"Sólo te tengo a ti" y "Una casa de locos", de Cédric Klapisch (con el que acaba de trabajar de nuevo) completan la corta filmografía de Tautou que va paso a paso, con grandes papeles pero sin el agobio de verse obligada a aceptar la tentación de Hollywood como Juliette Binoche y Julie Delpy, actrices pertenecientes a una generación anterior. Pero al final ha sucumbido y la hija del dentista y la maestra de Montlucon, el rostro más conocido de Francia se ha convertido en unos d elos rostros europeos de "El código Da Vinci". La chica cumple años cada mes de agosto. Ya tiene 28.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Uma Thurman

2005-10-22T19:20:00.000+02:00

De una concha salió una Venus con metro ochenta de estatura, cabello rubio y ojos azules. Era el bautismo cinematográfico de una de las actrices mejor valoradas y paradójicamente tenía lugar en uno de los mayores descalabros comerciales de la industria: Las aventuras del barón Munchausen, de Terry Guillian. Por aquel entonces tenía 18 años la joven bostoniano, hija de modelo sueca y del primer monje budista norteamericano.

Uma Thurman no tardaría mucho en mostrar de nuevo sus encantos. Lo haría ese mismo año, 1988, como Cecile de Volanges, la doncella que Stephen Frears entregó a John Malkvich en Las amistades peligrosas (con Glean Close y Michelle Pfeiffer). 6 años después fue candidata a un Oscar como mejor actriz secundaria por Pulp Fiction, película a la que quieren asemejar su último estreno... Una estrategia publicitaria, una campaña de marketing, de las que siempre ha intentado mantenerse alejada –nadie puso en entredicho sus matrimonios con los actores Gary Oldman y Ethan Hawke-.

Metida a productora musical y rodeada de mafiosos, su personaje en Be cool tiene poco que ver con el de Pulp fiction, aunque también era la chica del jefazo. Son dierentes por mucho que se marque un bailecito con John Travolta, que fue también su compañero de pista en aquella película de Quentin Tarantino. De ese encuentro surgió una profunda amistad: avanzados los noventa se iba cimentando también la relación profesional entre el cineasta y la actriz que una década después de aquel pelotazo cinematográfico escribirían la historia de una venganza.

Su obsesión por matar a Bill –motivos no le faltaban- hizo que aprendiera japonés y manejase la katana como el mejor de los samuráis. Su papel como la novia ensangrentada la devolvió al universo tarantiniano del que, asegura, jamás había salido. Su versatilidad ha impedido que la cataloguen en un determinado tipo de cine y por algo ha sido, indistintamente, rostro femenino del Festival de Cannes de 2000 con Vatel, adoctrinada por Woody Allen en Acuerdos y desacuerdos y protagonista de papeles cortos en Los miserables y La copa dorada, intervenciones contundentes que la han mantenido en la mente de todos

Hasta Pulp Fiction nadie le decía eso de ‘girl, you´ll be a woman soon’ y muchos se referirán a ella como ‘la prima que llegaba al pueblo donde transcurre la acción de Beautiful Girls’, por muchos años que hayan pasado desde el estreno de la cinta de Ted Demme. Su participación en la tercera entrega de Batman como Poison Ivy, sin duda lo mejor de la secuela dirigida por Joel Schumacher, no la destronó como musa del cine independiente, título concedido gracias a cintas como Gattaca y trabajos a las órdenes del propio Hawke y Gus Van Sant. Uma Thurman ha sabido alternar trabajos menos conocidos con otros más comerciales desde sus inicios, como el estreno casi simultáneo de El diario íntimo de Anaïs Nin y La chica del gángster. Ahora ha caído en las redes de Be cool, pero escapará a ellas y pronto nos sorprenderá en su doble faceta de actriz y productora.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com

Wim Wenders

2005-10-22T19:17:00.000+02:00

Nació hace 60 años en Düsseldorf, poco después del fin de la Segunda Guerra Mundial, y coqueteó con disciplinas bien diferentes entre si como la medicina y la filosofía aunque pronto sucumbió a los encantos del arte y la cultura, tamizados desde el particular objetivo de su cámara.

Películas tempranas como La ansiedad del portero ante el penalti y Alicia en las ciudades le convirtieron en un cineasta de culto nada más comenzar, allá por los años los 70, un apunte curioso si tenemos en cuenta que se trata de cintas que no han tenido la repercusión de otras como El cielo sobre Berlín, Tan lejos, tan cerca y Lisboa Story.

Ha cultivado todo tipo de géneros, desde el thriller a la road movie o el cine experimental (Hasta el fin del mundo, Más allá de las nubes), pero siempre plasmando a través de ellos su interés por todo lo relacionado con la cultural occidental contemporánea y su devenir histórico. El caso de Estados Unidos es caso aparte, un pozo sin fondo en el que el alemán ha encontrado la inspiración para algunos de sus aciertos y también errores cinematográficos. Las dos Américas por las que se siente atraído y repelido por igual han generado interpretaciones y paisajes insólitos en películas como El amigo americano, París, Texas, Relámpago sobre el agua y El hotel del millón de dólares, rodada en un desastroso lugar del centro de Los Ángeles, donde, por 300 dólares al mes, prostitutas, drogadictos y otros marginados podían alquilar una habitación; el mismo edificio que, en 1917, era conocido por ser el más alto, más hermoso y más caro de la ciudad.

Después de la irregular colección de títulos de los últimos años, de la que los más críticos del sector sólo salvan el documental Buena Vista Social Club, Wenders regresa al batallón político, a la línea de frente, con escaso presupuesto (600.000 euros), un equipo reducido, cámara de vídeo digital y un plan de rodaje mínimo. Sus huellas sobre Tierra de abundancia buscan provocar emociones de las que estamos tan necesitados y más después de acontecimientos brutales como los atentados del 11 de septiembre de 2001, la invasión de Irak o la masacre del 11-M en los trenes de Madrid.

La califica como su primera película política, con la que vuelve al páramo desértico y pobre que considera a Estados Unidos. Reconoce que la hizo porque se sentía en deuda con los que consideran fundamental la existencia de un cine con alto contenido político y por eso vuelve a tratar el asunto norteamericano en un periodo donde no es fácil significarse con un pensamiento diferente al establecido. Ha visto como el sueño americano se convertía en pesadilla aunque su visión optimista –cuesta creerlo- aún le permite considerar que se puede despertar de la desazón aferrándose a la nostalgia de un posible mundo mejor.

Su cine ha influido en la trayectoria de jóvenes y no tan jóvenes directores, siendo también objeto de versiones desastrosas que poco tienen que ver con el original, como City of angels, una historia de amor protagonizada por Meg Ryan y Nicolas Cage a partir de El cielo sobre Berlín, donde unos ángeles observan desde las alturas una ciudad dividida físicamente por el muro, al tiempo que se sienten tentados de ser humanos.

Acaba de estrenar película y ya se encuentra ultimando el montaje final y, junto a su amigo Bono de U2, la banda sonora de la próxima, Don’t come knocking, un western actual que pasa por los diferentes estadios de un ser humano, con Sam Shepard, Jessica Lange, Tim Roth y Sarah Polley como protagonistas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Danny Boyle

2005-10-22T19:10:00.000+02:00

10 años separan "Tumba abierta" de "Millones". Dos aproximaciones distintas a la hora de afrontar un mismo tema: la primera con aire más desencantado, aderezada con misterio y humor negro, y la segunda, dando pie a la fantasía.

Que nadie crea que el cineasta ha dulcificado sus formas, no. Tan sólo quiere jugar con el espectador, desconcertarle. ¿Qué usted esperaba una segunda parte de su último film con tintes epidemiológicos? Pues aquí tiene una entrañable historia protagonizada por dos mocosos que atesoran un botín de 230.000 libras esterlinas (haga el cambio: 1 euro equivale a 67 peniques).

A mediados de la pasada década brotaron en el vasto páramo cinematográfico internacional creadores dotados de un don especial que les permitía olisquear por los diversos formatos y géneros. Cineastas británicos como Michael Winterbottom, Danny Boyle y, algo antes, Stephen Frears, comenzaban a contar con el beneplácito de público y crítica.

El segundo largometraje de un director teatral que venía de Manchester se convirtió en visado de entrada a la industria norteamericana: "Trainspotting" llevó a Hollywood a Boyle y su actor fetiche, Ewan McGregor (en casa se quedaría Robert Carlyle). Juntos rodarían "Una historia diferente", con Cameron Diaz y a medio camino entre lo comercial y lo independiente con marca.

Con Leonardo DiCaprio y Virginie Ledoyen rodó "La playa" en uno de los parajes asolados por el Tsunami que cambió el pasado mes de diciembre la geografía física y humana del sureste asiático. Su escasa repercusión en las pantallas norteamericanas, que no en el resto del mundo, le hicieron replantearse su futuro inmediato. Deja Hollywood por su país natal y comienza una nueva senda por un terreno que hace 15 años era impensable en el Reino Unido, donde dominaba el cine con conciencia social de Ken Loach y otros que denunciaban el régimen político de Margaret Thatcher, la dama de hierro.

Él mismo había rodado "Tumba abierta" (1994), más cínica ante el poder del dinero que su recién estrenado cuento moral, en el que encontramos la conexión Winterbottom, cineasta de su generación con el que coincide en más aspectos que en los estrictamente formales: "Millones" se levanta sobre un argumento de Cottrelll Boyce, guionista de "24 hours party people", y está producida por Graham Broadbent, que estuvo al tanto de "Welcome to Sarajevo", ambas del director de "Código 46", que ya está en los mejores estantes de los videoclubs.

Boyle tiene la intención de adaptar al cine "Porno", continuación literaria de "Trainspotting", de Irvine Welsh. Se trata de un proyecto que uniría de nuevo a Boyle y McGregor, al que se tilda como demasiado mayor para encarnar al mismo personaje que le elevó a la fama hace ahora una década. Antes, para disfrute de todos a los que ha dejado desconcertados, se meterá de lleno en la ciencia ficción con "Sunshine", de Alex Garland, autor de la novela en que se basa "La playa" y guionista de "28 días después".

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Isabel Coixet

2005-10-21T07:58:00.000+02:00

Tiene la capacidad o el impulso de leer un libro y un artículo del periódico y saber dónde hay una historia.

Le ocurrió con el relato de Nanci Kincaid en el que se inspiró a la hora de desarrollar "Mi vida sin mí", una cinta que para muchos la encumbró, aunque esta barcelonesa de 45 años tuviese a sus espaldas una destacable trayectoria como realizadora de anuncios publicitarios y tres largometrajes más: "Demasiado viejo para morir joven", "Cosas que nunca te dije" y "A los que aman".

Cineasta peculiar, con una forma particular de mirar la vida que le rodea, esta licenciada en Historia Contemporánea recuerda que de niña le encantaba escuchar los relatos que su padre le contaba acerca de los campos de concentración en la Alemania nazi. El futuro y las sensaciones de esas personas liberadas le provocaba vértigo: ¿cómo nadie les decía que su vida iba a ser mejor? ¿cómo a muchos nadie les esperaba?

Si a eso le sumamos que hace 12 años estuvo en una plataforma petrolífera en Chile y que tenía ganas de darle vueltas, de nuevo, a la fuerza de la esperanza, como hizo en el documental "Viaje al corazón de la tortura", rodado en Sarajevo tras la guerra, nos da como resultado su último trabajo: personal, como todos, y costoso a la hora de poner en escena, no sólo por su compleja producción y especificidades de rodaje, sino por la inmaterialidad de ciertos asuntos a tratar que sobre el papel estaban claros.

La fórmula, una de ellas, fue confiar la ficción como vehículo para afrontar los dramas más duros, los que permanecen perennes en la memoria: el ruido de las detonaciones en un conflicto como el de los Balcanes se puede olvidar, pero nunca poner freno a los recuerdos de las vejaciones sufridas. Comprometida desde el cine con el mundo en el que nos ha tocado vivir ha encontrado en Tim Robbins a un fiel aliado ideológico y en Javier Cámara a un buen compañero de viaje. Pero no están solos en medio del océano.

En "La vida secreta de las palabras" entabla nuevas relaciones (ha trabajado con Julie Christie y hasta con su actor más difícil, una oca) y repite con quienes más satisfacciones le han dado: por un lado y en la producción, los hermanos Almodóvar a través de El Deseo, por otro, los actores que encajan en sus historias. Sarah Polley por ejemplo es capaz de decir muchas cosas con escasos recursos (lo demostró en "Mi vida sin mí") y Leonor Watling, natural y sorprendente, con un papel corto pero clave en el desarrollo de la historia.

Con ellos logra lo que es tan difícil: olvidarse de que son actores. Son los encargados de hacer que una película reconforte, envuelva y ayude a entender las cosas que pasan en la tierra. Ellos y, por supuesto, ella, la que cultiva ese pensamiento, una filosofía que incide en que el amor, aunque para los más pesimistas sólo dure tres años, sirve para ahuyentar los fantasmas que nos anclan en el pasado.

Aunque suele rodar en inglés no se plantea por el momento poner su arte al servicio de la maquinaria de Hollywood, aunque sí le gustaría trabajar con actores como Susan Sarandon. Por ahora, además de recomendarnos de forma sutil libros como Modos de ver y Cartas de amor de una monja portuguesa, se nos vuelve etimóloga y a través de una mirada melancólica, cómica, dramática, extraña y terriblemente suya, nos descubre que las palabras tienen una vida secreta... Así lo cree Coixet: una vida que pasa desapercibida para muchos, una doble vida oculta y hasta cuádruple. Sus pesquisas, bastante esperanzadoras, nos las hace llegar a través del que dicen que es su mejor trabajo. Sólo hasta el momento.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Asunción Balaguer

2005-10-20T22:54:00.000+02:00

Tiene el perfil de ancianita adorable y familiar, aunque tras él esconde más de 30 años de pasión por el teatro y otros 50 de devoción al hombre que fue su vida, su marido Paco Rabal. La niña que se metió en el teatro porque quería vivir otras vidas hace de su regreso a los escenarios la mejor medicina contra la apatía y su propio abandono.

José Tamayo la tuvo como una de sus primeras actrices en la Compañía Lope de Vega, una especie de cantera profesional en la que Asunción también encontró el amor: Paco Rabal debutó con la misma compañía en 1947 y cuatro años más tarde, después de una larga temporada separados por un océano, contrajo matrimonio con el murciano de Águilas. En ese momento la actriz aparcó su carrera laboral adoptando en exclusiva los roles de esposa y madre de dos hijos: Teresa y Benito.

Hasta entonces Asunción Balaguer había labrado su propio camino: con 14 años se trasladó de Manresa, su ciudad natal, a Barcelona. Allí estudiaría por obligación Filosofía y Letras e ingresaría por devoción en el Instituto del Teatro. En sus inicios tuvo como compañera de nervios, ensayos y representaciones a Aurora Bautista en la formación Teatro de Arte. Uno de sus primeros papeles sería el de Bernarda en La discreta enamorada, de Lope de Vega, y precisamente formaría parte del grupo teatral que llevó por toda España y América el nombre del dramaturgo. Y después llegó el paréntesis.

En los últimos años esta catalana ha ido demostrando que su valía como interprete no se había apagado, aunque no ha sido desde las tablas, sino asomándose por una esquina de la gran pantalla, participando en producciones que han pasado desapercibidas como Días de boda (Juan Pinzas) y Primer y último amor (Antonio Giménez-Rico), y en otras que merecen ser olvidadas como Un día sin fin (Giulio Manfredonia), y no precisamente por la actuación de Balaguer.

A los 8 días de bajarse en Burdeos del avión en el que falleció su marido el 31 de agosto de 2001 cuando venían de recoger un emotivo premio en Montreal, cuando se marchó 'su genio', como le llamaba ella, Asunción se entregó al trabajo y se embarcó junto a su nieto Liberto en una serie de recitales en los que recordaban a los poetas favoritos del actor desparecido.

Después de trabajar con grandes de nuestro cine como Jaime de Armiñan, Montxo Armendáriz y Fernando Trueba fue Enrique Gabriel el encargado de redescubrirla para el cine en un entramado de historias bien articulado, bajo el título de Las huellas borradas. De aquella experiencia han pasado 6 años y ahora están a la espera del estreno de Vidas pequeñas, donde ella tiene a Ana Fernández, Ángela Molina y Roberto Enríquez como compañeros de reparto.

Puso punto final a una década alejada de los escenarios cuando regresó la temporada pasada con La luna de lluvia, una adaptación firmada por Fina de Calderón de la obra escrita por la francesa Sidonie-Gabrielle Colette, puesta en escena junto a Magdalena Broto y su nieta Candela Rabal, hermana de Liberto. Balaguer estuvo recitando e interpretando, pero sobre todo, reencontrándose con el público que tanto la había admirado y buscando en el trabajo su tabla de salvación para no morir de aburrimiento.

Durante un año dio vida a una anciana que enseñaba a dos jóvenes inexpertas los secretos de la vida, y desde este mes de septiembre le cuenta sus confidencias a otra de las grandes, Amparo Soler-Leal, en un tremendo duelo interpretativo bajo el título de Al menos no es Navidad, una obra de Carles Alberola, una tragedia narrada en tono de humor debido al inmenso dolor que esconde: dos ancianas abandonadas en una residencia que son las dos caras de una misma moneda, distintas pero complementarias, dos maneras antagónicas de entender la vida, una mediante la dramatización de la realidad y la otra gracias a su enorme capacidad de saborear el día a día, o para ser más precisos, el segundo a segundo. Como su última protagonista, octogenaria feliz aunque nostálgica de su pasado, Asunción Balaguer saborea de nuevo las mieles del teatro, uno de sus dos grandes amores. El otro, ya saben

Texto escrito por Daniel Galindo publicado en LaNetro.

Cecilia Roth

2005-10-20T21:48:00.000+02:00

Hablamos de una mujer que iba para fonoaudióloga y psicóloga, pero afortunadamente lleva casi tres décadas vinculada al cine.

Los caminos hacia el mundo de la logopedia se torcieron y la bonaerense Cecilia Rothemberg se convirtió en Cecilia Roth, apellido artístico adoptado también por su hermano Ariel (fundador del grupo Tequila), aunque en versión más corta y musical: Rot.

A finales de los años 70 Cecilia Roth cruzó el charco, aunque se juró volver. Y así lo hizo, estableciendo un puente aéreo entre Argentina y España cuando el orden político se lo permitió. Podría ser esta una muy breve tarjeta de presentación de la actriz que se dio a conocer con la inclasificable y vanguardista "Arrebato", de Iván Zulueta, y que, años más tarde, contaría con fuerzas para enfrentarse a todo. ¿Entre sus retos? Abrir la actual temporada lírica del Teatro de la Zarzuela con "La voz humana", un monólogo de Jean Cocteau a las órdenes de su querido Gerardo Vera, que la hizo enloquecer por un homosexual (Javier Bardem) en "Segunda piel" y más tarde la convirtió en una nazi argentina durante la Guerra Civil española en "Deseo".

Parece que Cecilia Roth vive su segunda juventud artística, la que se inició a mediados de los 90. Después de varios años en su país natal regresó a nuestro país convertida en una aguerrida jueza en una de las primeras películas de Marcelo Piñeyro ("El método") que cruzaron el Atlántico: "Cenizas del Paraíso" supuso nuestro reencuentro con ella y Héctor Alterio, además de la presentación de Leonardo Sbaraglia. Con Piñeyro volvería a trabajar en "Kamchatka", la que durante muchos años fue símbolo del hermanamiento entre argentinos y españoles y musa de su pareja Fito Paéz: inspiró las letras de algunas de sus canciones y protagonizó junto a Gael García Bernal "Vidas privadas", el debut como director del que nació con el nombre de Rodolfo en la ciudad de Rosario.

No iba a ser aquella la única película en que sedujera a un joven: "Una noche con Sabrina Love" la presentó como estrella del porno convertida en premio de lotería ganado por Tomas Fonzi, y ahora Eduard Cortés, después de enseñarnos a mentir con "La vida de nadie", la enamora por medio del adolescente Nacho Aldeguer en "Otros días vendrán", una historia inspirada levemente en el famoso caso de Jodi Thorp, maestra norteamericana acusada de mantener relaciones sexuales con un joven alumno de su escuela.

Este estreno reciente vuelve a rescatar a una de las más firmes figuras del cine iberoamericano que, no lo entiendan mal, mostraba en público sus bragas Ponte y un problemilla de incontinencia urinaria. Corrían los primeros 80 y con él empezó a coquetear delante de una cámara en "Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón", "Laberinto de pasiones", "Entre tinieblas" y "¿Qué he hecho yo para merecer esto?" Antes de acabar el siglo Pedro Almodóvar le regaló uno de sus personajes más bonitos, el de la progenitora soltera que hila la maraña narrada en "Todo sobre mi madre". Como Manuela tuvo que enfrentarse al pasado y los recuerdos tras la muerte de su hijo y regresar a Barcelona. Saldada la prueba en el año 2000 se alzaba con el reconocimiento de sus compañeros con el Goya a la mejor actriz, por encima de Ariadna Gil ("Lágrimas negras"), Carmen Maura ("Lisboa") y Mercedes Sampietro ("Cuando vuelvas a mi lado"), compartiendo triunvirato con Ana Fernández y María Galiana, ambas por "Solas".

Aunque la cinta de Almodóvar le reportase un Premio de Cine Europeo entre otros reconocimientos, no era ésta la primera vez que conseguía el Goya: en su casa ya había una cabeza del pintor aragonés después de que en 1996 Adolfo Aristarain confiase en ella el difícil papel de amante de Federico Luppi en "Martín (Hache)". Los tres, que trabajaron por primera vez juntos en 1987 con La extraña, se reencontraban después de poner rumbo a sus vidas profesionales y encontrarles Un lugar en el mundo. Cecilia regresaba al panorama cinematográfico con su primer Goya y lo hacía para no marcharse, con permiso de la veteranía de Julia Gutiérrez Caba en "El color de las nubes" y Maribel Verdú, a pesar de su desgarradora interpretación en "La buena estrella".

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Montxo Armendáriz

2005-10-20T21:45:00.000+02:00

Hace 15 años se alzó con la Concha de Oro por "Las cartas de Alou", una de las primeras miradas al fenómeno de la inmigración.

Su séptimo largometraje de ficción ha sido el encargado de inaugurar el 53º Festival de San Sebastián, todo un orgullo y reconocimiento a la buena labor profesional de este navarro nacido en Olleta hace 56 años.

Un lustro nos separa de su última película no documental, "Silencio roto", y de Navarra, a donde regresamos para visitar un territorio fantástico donde conviven el misterio y la búsqueda de los desconocido, la metáfora de una forma de vivir, un pueblo imaginario que tiene similitudes, al menos en cuanto a lo paisajístico, con Uztárroz, el pueblo del Valle del Roncal donde se ha rodado este enigmático puzzle del que ya son muchos los que hablan maravillas.

Mano a mano con el escritor Bernardo Atxaga, Montxo Armendáriz ha ido gestando "Obaba", su particular y definida lectura de la novela "Obabakoak", traducida a más de 20 idiomas y con la que el escritor guipuzcoano, de nombre real Joseba Irazu Garmendia, recibió los premios Nacional y Euskadi de Literatura tras su publicación en 1988. Los primeros flecos de esta colaboración surgieron ya a finales de los 80 en una cena entre ambos narradores, el que lo cuenta todo con palabras y el que hace lo propio con imágenes. Debido a la gran complejidad de la adaptación, decidieron aparcarlo, pero no olvidarlo.

El cineasta, con "Tasio" (1984) y "27 horas" (1986) a sus espaldas, se embarcó en el terreno de las adaptaciones con el guión del que en 1994 sería su tercer largometraje de ficción: "Historias del Kronen". Este título, con el que viajó a Cannes, daría a conocer muchos de los rostros que forman una interesante generación de actores como Juan Diego Botto, Armando del Río, Nuria Prims, Cayetana Guillén Cuervo, Aitor Merino, Jordi Mollá, Nuria Prims y la desaparecida Diana Gálvez.

Con esta adaptación de la novela de José Ángel Mañas dio muestras de ser un gran conocedor de los entramados urbanos y los submundos que se extienden por la gran ciudad, pero Armendáriz sentía la necesidad de regresar al norte de España donde también ubicó la acción de "Secretos del corazón", su primer visado para conseguir el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa después de pasar por la Berlinale.

A la hora de trabajar se rodea Armendáriz de un equipo solvente y fiel a sus propuestas como el director de fotografía y Premio Nacional de Cinematografía Javier Aguirresarobe y actores con los que mantiene una estrecha relación de amistad. Este es el caso por ejemplo de los que repiten por tercera vez a sus órdenes, Mercedes Sampietro y Juan Diego Botto, que ya hicieron posible "Historias..." y un desgarrador "Silencio roto", aunque después de "Obaba" otros intérpretes se sumarán al universo profesional y creativo de Armendáriz, como Bárbara Lennie, Pilar López de Ayala y Eduard Fernández.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Fernando León de Aranoa

2005-10-20T21:41:00.000+02:00

Después de hablarnos de la soledad de una "Familia", retratar la vida en un "Barrio" obrero y plantar a unos parados "Los lunes al sol", León de Aranoa nos acerca a sus "Princesas".

Princesas de dos reinos, el de la inmigración y la prostitución, a los que no nos gusta mirar de frente, y de los que desviamos la vista con demasiada parsimonia.

Este madrileño de 35 años nos tiene acostumbrados a ver la vida real a través de los ojos de los protagonistas de sus historias, algunas más crudas, otras menos amargas, pero todas ellas contadas desde la ironía y con la maestría de los grandes narradores de relatos, no en vano se curtió como guionista en documentales ("Caminantes", "La espalda del mundo"), programas y series de televisión (Martes y 13, "Turno de oficio", "Hermanos de leche") y largometrajes ("Fausto 5.0", "Insomnio").

Llevaba 3 años de relación con Caye y Zulema, los personajes de su última fábula sobre la complicidad, la herramienta que ayuda a dos prostitutas a afrontar el difícil mundo en el que intentan sobrevivir. Dos folios sobre dos chicas prostitutas fue el germen de un catálogo de sentimientos y píldoras poéticas que llega a las pantallas de cine de manos del considerado por Candela Peña como el 'cineasta menos social y realista a pesar de su etiqueta, ya que siempre habla de gente que se protege en sus sueños para olvidar la realidad que le rodea'.

Lo hacía con cierta distancia, pero al entrar en esta parte tan presente de nuestra sociedad descubrió un mundo menos cerrado y, por supuesto, repleto de humanidad e historias personales, tantas como mujeres hacen la calle. En esta ocasión, como siempre, su proceso de documentación comenzó cuando el guión estuvo bien perfilado. Es entonces cuando entran en juego los detalles que a veces tienen mucho más peso que la trama en sí. De hecho no trabaja a partir de ellas, sino haciendo que destaquen los dobleces de los personajes, situaciones paradójicas y elementos que dotan de mayor realismo y contundencia la relación entre el escritor y sus criaturas, de donde parten todos los argumentos.

Su buena sintonía con el espectador le ha permitido fundar su propia productora, Reposado, con la que ha financiado "Princesas", dejando atrás su fructuosa relación con Elías Querejeta, padrino de excepción al comienzo de su carrera como cineasta. Fernando León de Aranoa tenía 3 películas, 5 Goyas –3 a la mejor dirección, uno que le reconoce como guionista y otro a la mejor película-, 2 Conchas de San Sebastián y lo que aún queda por llegar. Lo último ya está en las carteleras, un cuento escrito, producido y dirigido por él, el de sus "Princesas", esas a las que tanto quiere por ser tan diferentes entre sí.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Juan José Ballesta

2005-10-20T21:36:00.000+02:00

No llegaba a 14 años cuando comenzó a jugar delante de la cámara, de manos de una figura parecida a la de hermano mayor pero con más autoridad.

Achero Mañas rodaba su primer largometraje y confió en él su papel protagonista, "El Bola". Su madre le había apuntado a una agencia de artistas y el experimento dio sus frutos nada más entrado el siglo XXI.

Comenzaba así una carrera en el cine nada marginal, todo lo contrario a la vida de algunos de sus personajes. El niño al que Imanol Uribe hizo que jugara con Carol en plena posguerra española fue trasladado por Antonio Mercero a la "Planta 4ª" de un hospital; pasaron los años y acabó recluido en un reformatorio de menores bajo el nombre de Tano. Que nadie se lleve las manos a la cabeza porque este es el viaje de Juan José Ballesta en la ficción. La realidad es otra cosa, marcada por sus colaboraciones en cintas como "El embrujo de Shangai" (Fernando Trueba), "Mi casa es tu casa" (Miguel Álvarez) y "Los niños de San Judas" (Aisling Walsh).

A este madrileño de Parla, a punto de llegar a su mayoría de edad –el 12 de noviembre-, sigue sin gustarle estudiar, y lo del cine también se lo está pensando, aunque ahora menos. Desde luego la tele, ni tocarla. Repuesto de una mala racha de agobios debido a una cadena de rodajes interminable –optó por apartarse del mundillo-, Juanjo ha vuelto con energías renovadas porque en el fondo sabe que el cine le ha reportado algunas de sus mejores sensaciones.

Recuerda con especial ilusión la noche en que sus compañeros le otorgaron el Goya al Mejor Actor Revelación, y seguro que pensó en aquel momento cuando a finales de septiembre subió al donostiarra escenario del Kursaal para recoger la Concha de Plata al Mejor Intérprete Masculino del Festival de San Sebastián. El jurado le reconocía su trabajo en "7 vírgenes" como Tano, un muchacho de barrio, real, identificable para muchos y también drogadicto, follonero, delincuente y marginal. Junto a su compañero de reparto Jesús Carroza y a las órdenes de Alberto Rodríguez ("El factor Pilgrim", "El traje") ha trabajado un rol difícil de interpretar que también le ha permitido aficionarse al flamenco y plasmar sus vivencias reales como niño que aún pudo jugar en la calle.

'Es una estrella, es una estrella'. Así se resume el empeño personal de la presidenta del jurado, la actriz Angélica Huston. Con el galardón, Ballesta se convierte en el ganador más joven en la historia del certamen. No lloró al recoger el premio como hizo Javier Bardem por "Los lunes al sol", y tampoco cree que le vaya a cambiar la vida, al menos hacer que le reconozcan por la calle, uno de sus miedos, junto al que siente por la prensa. Aunque sí que supone su reconciliación con el cine, del que había salido bastante 'quemado'.

Con temores o sin ellos, lo próximo de este 'chico de barrio', como él se llama, será "Cabeza de perro", donde aparca el disfraz de chaval problemático, a priori, para ponerse el de chico de clase media tirando para arriba con grave enfermedad incluida. Y sigue conociendo a gente del mundillo, del que ya no se quiere separar, y cambia a su amigo Alberto Rodríguez por el amigo de este, Santi Amodeo ("El factor Pilgrim", "Astronautas").

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Mónica Runde

2005-10-20T20:57:00.000+02:00

Siente la necesidad de escupir, de expulsar lo que tiene en su interior para que no se anquilose...

Como coreógrafa social ha trabajado con materia prima excretabl, como el abuso de las drogas, los malos tratos y la homosexualidad, y aguarda el momento de enfrentarse desde las tablas al marginal mundo de las bandas callejeras, aunque lo haría con mucho respeto, ante la omnipresencia en el género y en la temática de la mítica West Side Story.

Las recientes manifestaciones en pro de la familia, de lo que algunos con orejeras consideran patrón único e insustituible, fueron el germen de Hebras de mujer, revestido de un viaje cronológico por la mujer en el siglo XX sin olvidar al hombre, ya que no se puede hablar de ellos sin mirarse entre sí.

Centrándose en la dualidad existente entre fortaleza y debilidad, la hebra, el final de un elemento maleable y resistente a su vez, Mónica Runde amarra los hilos realistas del mundo que conoce tamizados por su visión de viajera social, más rica en contraposición a la de turista ocasional. Movimiento y música constituyen la unión indivisible a partir de la que trabaja cada creación: montaje con núcleo interno envuelto en diferentes capas y facetas que van descubriéndose poco a poco.

Por eso considera positivo, casi vital, la labor mano a mano con un compositor y, en más estrecha relación si cabe, con un dramaturgo atento a la interpretación. Desde hace años los ojos de los que se fía pertenecen a Natalia Menéndez: Runde firma la coreografía en direcciones escénicas de Menéndez como El invierno bajo la mesa, y viceversa. Un tándem que enriquece cada criatura y las suyas han ido creciendo con los años.

Hebras de mujer supone también el reencuentro con el compositor Pedro Navarrete, quien ha firmado la música de muchas piezas de su compañía, como Meeting Point, la primera colaboración entre ambos, Haz de luz y Milagro. Con él no trabajaba desde 1997, en Venus Benedectta, y aunque nunca perdieron el contacto, sus caminos se separaron. Ahora tornan en uno mismo debido en parte a la carga emocional y al gusto por volver a crear juntos.

Mónica Runde lleva 16 años al frente de 10 & 10 Danza, una de las contadas compañías que se dedican en exclusiva a un arte escénico menospreciado por instituciones públicas. Desde que se alzaron con el primer premio del III Certamen Coreográfico de Madrid, no han dejado de mascullar proyectos propios y encargos para producciones de danza ajenas, cine (Pasos de baile), teatro (Los viejos no deben enamorarse), ópera (El cristal de agua fría) e incluso moda, para creaciones de Jesús del Pozo, junto al también coreógrafo Pedro Berdäyes.

Se mantiene férrea en su idea de que la danza debe comunicar con el espectador, ser directa y menos abstracta, abriéndose a nuevas propuestas pero sin dar la espalda al público, no como el arte moderno que en buena parte se ha ido encerrando en su propio hermetismo. Aún así, gozando del apoyo del público y de los profesionales del sector, e incluso con dos Premios Nacionales de Danza en su haber, uno español –creación, en 2000- y otro costarricense –coreografía, en 2004-, se siente creadora con las alas cortadas, debido a la falta de espacios y al relego de la danza a salas de pequeño formato a las que deben estar agradecidos porque al menos allí pueden estrenar.

Si quieres saber más... entra en la página de su compañía 10 & 10 Danza.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.